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釣魚台是誰的？摘錄QA from 非哲學星期五

文／素樸勛

（羅福全代表與青平台）

在聯合國工作27年，曾任駐日代表、又曾與日本談判漁權多達11次的羅福全代表，當真惠我良多。

1.釣魚台的歷史歸屬是誰的？
見「沖繩史實第二卷」，由左到右，分別屬於台灣、琉球王國、日本，三個不同的主權國家

（羅福全代表提供）

1871年琉球王國的國人，在高雄登陸，被當時牡丹社族人殺害。
1874年，日本揚言要替琉球王國報仇。
1879年，日本併吞琉球王國成為沖繩縣。
1895台灣日治，宜蘭縣民，經常到釣魚臺附近捕魚，成為慣例。
WW2（二次世界大戰）後很多國家紛紛脫離宗主國、殖民地獨立，國家數量倍增，爭議島嶼的歸屬也多了起來。
二戰後，美軍代管日屬琉球，包含釣魚台，並一併歸還日本。
管轄權歸日本，所有權仍有爭議，長久以來日治前後，該海域都是宜蘭縣民的漁場，在無人島周圍行駛是不爭得事實。沒有邦交，不易溝通的兩造，台、日雙邊對這個領土的主權行使不完整也是事實。

2.會不會打仗？
不太會。美國重返亞洲，與中國作BOP（Balance of Power），台灣的安全，又是「美日同盟」的延伸。如果戰爭，也將會是區域形爭端，因為自從WW2之後，大國都不會興起大規模的戰爭，因為代價太大，而這個世代也沒有希特勒、史達林之類的領袖，即便是今日中國，也是集體領導（collective leadership）不再會有狂人政治，所以戰爭的機率會很低，若真有人「不惜一戰」，那也將會是區域性，對於台灣不會有太大的影響。

3.中國的主張沿革為何？台灣是不是因為要爭石油利益才這樣？
中國早期宣稱台灣是中國的一部分，再來釣魚台是台灣的，所以釣魚台是中國的。今日，變成為直接跳過台灣的因果關係，而稱釣魚台是中國的。為何有此轉變？東海油田是一個重要的因素，油田在中日交界之處，就算是能夠開發，其位置對於台灣來說，一點邊也搆不上，所以台灣真的不是為了石油的。

4.日本的戰略觀點為何？
為了避免被右派的東京都知事購買，國家挺身而出購買釣魚台，為了是要弭平爭端，但是中國的民族主義高漲，根本不聽這套。對日本來說，台灣的安全一直是美日同盟的延伸，而且，日本也不認為台灣是中國的一部分，自從蔣、李、扁一直以來都不認為「台灣會回歸中國」，一直到馬英九提了三邊兩兩、三邊共同的兩次會談模式，硬要把中國拉進來，日本方面才正式的感受到：「咦，台灣是要回歸中國了嗎？」

5.竹島（獨島）的解決辦法，日、韓提請國際海牙法院調解，釣魚台可以嗎？
竹島要經由國際法庭調解，釣魚台可以嗎？根據在聯合國工作27年的羅前代表，國際法庭，不具有國際人格的國家，也是可以參與的，這在遊戲規則上很公平。但是判決的部份，就不是這樣樂觀了，因為往往都是大國的影響力會在其中運作。如果提到國際法庭，當然樂見釣魚台爭議被解決，不過這只是其中一個解決方案，不是唯一解，最重要的還是要顧及宜蘭漁民的權益，讓他們的漁場可以繼續北上延伸，另一方面我們的漁民也會限制數量、拖曳網，這樣一來，讓「所有權」跟「管轄權」拖勾，好和平解決這樣的問題與爭端。

文／素樸勛
2000年發行首張專輯，卻因為學業與公司的關係，12年以來進入又離開歌唱事業，近幾年才又回到舞台，也因為《犀利人妻》而獲得聊癒歌姬的稱號。在2012年8月18日，林凡站上國際會議中心的舞台（TICC）。

（自彈自唱）

演唱會名為《林凡 Freya&Friends 幸福零缺口犀利演唱會》，就命名而言毫不迴避《犀利人妻》的電影以及偶像劇對自己的加分，並在郁可唯的缺席下仍有眾多嘉賓（ Freya&Friends）的加持，不只襯托林凡對於唱歌的努力與堅持，也使TICC的演出增色不少。

致敬的節奏
情歌開場，璀璨銀河迷你短禮服搭配LED變化多端的舞台，自彈自唱《犀利人妻》片尾曲《重傷》，隨即更換節奏扯掉裙擺，演唱快歌《相愛時候到了》，除了是向同時間舉辦演場會的林憶蓮致敬之外，變奏的反差也讓人嚐到甜頭，更感受到導演安排的存在。

（林凡的動、靜之間）

《我愛她》的作者陳威全
除了與新人陳乃榮合唱《只想抱著你》之外也和陳威全合唱《我愛他》。正是，是叮噹的《我愛他》！這麼深情又扭曲的劇情與故事，正是一個男孩所寫出來的歌曲，真是令人不可置信。還沒有回過神來，稍微變奏的合唱，就已讓筆者起了雞皮疙瘩，彷彿毛細孔都在聽音樂，還有還有，那「跌跌撞撞到絕望」的體會。

（向瑪丹娜致敬的演出）

貓一樣魏如萱
反導演安排的第一人，正是娃娃魏如萱。她像貓一樣，爪子撲向林凡剛接的頭髮，扯扯狀貌似有些調皮，此時林凡的耳mic應該收到些導演的話了。但是唱起《晚安晚安》之後，才讓筆者驚覺，原來是真正的貓腔神曲，在晚「安」的這個「安」字微微上揚之際，真教人想闔上雙眼，好想把耳朵撐開多一點。魏如萱想要把頭髮跟林凡接在一起，這個造型期待下次可以出現。

（林凡、魏如萱）

超軟陳昇
林凡的緊張，修飾的非常得宜，但在導演郭子的安排下，無論是對來賓應對或是說出自己心裡話，節奏與步調都非常恰到好處。但是直到陳昇大哥腳踏車滑滑出場，觀眾們開始疑惑「他到底想要幹麼？」沒有戴老花眼鏡的陳昇，拿出鉛筆寫得台詞念道：「昇，我剛剛以為是真的陳淑樺」為導演安排破局。脫出秩序的演出引足了觀眾胃口，超軟的昇哥也勉勵林凡「不就是這樣嗎？」請她不要緊張。陳昇進一步表示，今天他會跨了20幾個年的演唱會，也是因為當時老闆借了場地，沒有辦法消化，揶揄一下老闆，也要林凡回去問問，這下林凡耳mic又響了，但是觀眾卻樂不可支。陳昇說他搞笑，但是歌會認真唱，也從容不迫的唱出《明年你還愛我嗎》，這個「不管是深夜　不管是白天　我都一個人走開 因為你又說　習慣了自由　想要一個人生活」真是孤單到了底。觀眾忍耐不住，大喊「陳昇我愛你」，但是他用麥克風說「你騙人」又說「我已經結婚了」。

(認真的陳昇)

劉真黏著瑪丹娜
劉真的出現，實在是非常突兀，但是這樣的突兀，也讓觀眾再一次被聚焦視覺。劉真順著LADY GAGA的音樂跳舞，真是讓人懸念十足，直到林凡頂著瑪丹娜勁裝《Papa Don't Preach》，一切的疑惑就煙消雲散。因為林凡小時後跟媽媽買菜，就要求買了這一張唱片，如果說硬要唱這個具有紀念性的歌曲，劉真老師與猛男群的揮汗就是最華麗的轉場。

（林凡、劉真）

陳淑華《夢醒時分》
老歌連發，不禁讓我環顧一下作四周，心裡猜想，是否這是滾石對於觀眾族群的精密策略，是針對6年級的歌迷們而特有的回憶蒙太奇。我是7年級，正要下個結論之際，發覺自己正在跟著吟唱《夢醒時分》。歌曲的歷史記憶，是跨不同年齡，也跨不同族群的，如果也因此留下了眼淚，卻都一樣是鹹鹹苦苦的。

（紅色的裝扮）

如果說，這是愛
暗燈之後，《五年幾天》巧妙的被安排在安可曲。安可的時候，鼓手給足了面子，陪著歌迷兩個小節兩個小節的打節奏，筆者的手也拍癢了，心裡就是單純的在想像，林凡偷偷在後頭聽著觀眾的呼聲，是多緊張，又擔心的，此時唯一能夠給他鼓勵和加油的只有這個辦法了。周蕙唱《不愛了也是一種愛》時說林凡的歌迷好冷靜，但是這一刻，筆者也挨不住椅子了！《五年幾天》、《這樣愛你好可怕》和《重傷》，應該是受傷套餐，要說受傷，而不是說失戀，是因為其癒療範圍絕對比起失戀這個領域大太多太多了。

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文／素樸勛
 

感嘆自己的出身，不如感嘆出「生」。出生在台灣，這個以科技、金融為國家主要產業的地方，重商重金，而社會科學、文化藝術的人才不被重視，想當然爾，作為「黑手」更是為這社會所排斥，是邊緣的一群。

《黑手變金手》篇的主人公林謙育說：「我們台灣社會就是這樣，就是你考試不好，你就是不好。」筆者國中時，老師叫我站起來，因為他知道我的父親是黑手，是修車廠的師父和老闆。她特別勉勵我，說我要好好努力向上，因為她之前有一個黑手之子的學生，沒有學壞，反而考上了好的高中。雖然我沒有學壞，但是我也沒有很乖，我能夠感受到，我是被貼標籤的一群。每次只要班上有出事情，我都會被認為是搗蛋人物，而成績好的同學，永遠都會是名列前茅，他們可以打球可以坐在前排靠近講台的地方，而我們只能坐在我們和老師互相看不太到的地方。 「黑手」本身就是一個具有偏見的名詞，這個名詞可以中立陳述，也可以施加沈重。除了家父以黑手餬口，筆者的姨丈作豆腐維生，和一般上班族日夜顛倒，在高溫的工作間，煮豆漿、作豆腐，在具有蒸氣高溫的工作室裡，除了常大量流汗之外，被蒸氣灼傷也是經常。學徒？姨丈說：「這行沒有人要接手，所以只好繼續做下去。」靠近林森北路的機車行，一位曾老闆在巷弄間開店，他說：「外面的店租太貴了，一個月要七萬元，他顧學徒也只是兩萬多元，作這麼辛苦很多都會離開了，現在只剩他一個人。」但他靠著森北路日不落的特性，在營業時間比別人晚的堅持，還有對客戶的熱心與誠懇，讓店面得以繼續維持。

回到台灣的環境，國家政策的不友善讓這塊土地不能容納以雙手維生的一群。當然，這樣從逆境中的成功，於是更加難能可貴。《黑手變金手》的林謙育，從小被視為不務正業的問題人物，而靠著自己的努力，打破了刻板印象，讓自己的人生不一樣。往他的旁邊看，影片的最初，在其友人與小時候玩伴的訪談間，透漏了兒時的叛逆與好玩，是多麼容易在一個人的歲月中固著，而決定了一生。

讚賞逆境中的勇士，不如反思這個社會的框架，是否有更多人沒能跨越這個門檻而一成不變了。

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文／素樸勛

明確的自傳式演法
鳳小岳、桂綸鎂、張孝全演技各有不同，導演楊雅喆說鳳小岳是走「功夫派」，在接這部戲的時候，小岳先把自己角色王心仁的「自傳」寫出來，先設想在怎樣的階段，會有怎麼樣的反應，舉手投足應該怎麼設定，到了什麼人生階段，說話的方式也不同。導演說，這是「由外而內」的演技。

隱晦的給一個感覺
桂綸鎂以及張孝全，則是「由內而外」，他們被給予「一個感覺狀態」，然後在對戲的時候發揮，沒有既定的台詞，也沒有固定的模式，導演只點出關鍵的情緒。甚至連對戲的兩造，對方要出什麼招都不知道，所以反應更為真實。舉例說來，小鎂跟小岳對戲的時候，在校園的剃頭戲碼中，小岳根本不知道小鎂會剃頭。泳池畔，在手心寫字的那一場戲，孝全全然不知到小鎂會在他的手上寫什麼。「大冒險吻戲」中，孝全根本不知道小岳會怎麼做，他只記得導演跟他說：「無論如何就只要說友誼長存個屁就是！」

（A KISS?）

非常「危險」的演技
戲拍完了幾個月，導演接到孝全的電話：「幹你良咧，都是你害的。我剛剛在跑步，剛剛還以為我是陳忠良（劇中角色）」小鎂也對導演說，十年以來，演出有過magic hour的次數不多，這一次就是其中一次了，這樣的演法相當過癮。但是在導演看來，這是一個非常危險的演法，因為陷入了角色，不容易拔出來很可能會在下戲之後，造成現實生活中的痛苦。

集體創作之造型師的戲／信
這部戲，是一個集體創作，很多人的精神都在裡面。幾乎每一天導演給演員的本都不一樣，小鎂在機場的戲中，也提出來了要將機票放在輸送帶上。戲拍完了之後，有一天孝全突然打給導演，告訴他「與男友家人逛超市」的那一場戲，手機應該是調振動的，推翻了原本有手機鈴聲的設定。造型師給導演的一封信，一個女生的造型師，讓孝全和小鎂「與男友家人逛超市」的那一場戲，全部用這封信的內容來設計。這樣的集體創作，相當爽快。

(入戲容易，出戲難)

 

文／素樸勛

叛逆百摺裙開場

校園式的春春開場，挑戰現代消解的威權。對學校中最具威權的符號「教官」來說，隨著民智漸開、社會進步，對他們自己權威的崩解，還有自我定位的認同危機，像是空轉的水車、威權活化石。導演用教官角色作時代的黏著劑，在電影開場，從當代百褶裙罩頂的好言相勸教官角色，換個場景回到過去，搖身一變成為時代的威權主人，掌握言論、體罰自由，忠黨愛國。

導演楊雅喆說：「這描繪不誇張，只要教官不高興，隨時可以過肩摔。」絕對的權力，是那個時代的註解。然而，沒有絕對的威權可以抗拒的今天，面對過去那段日子的觀點，不是政治上的抨擊或是對當時民主、自由的價值來對比今日自由的可貴。不是論制度，筆者以為《女朋友。男朋友》是要談論在那樣的環境下，愛情和友情的模樣。

（當代沒有威權嗎？聽聽「我們不要穿裙子！」的怒吼）

陌生解嚴變獵奇

楊導：「很多事情，都是在解嚴之後發生的。」解嚴並不是萬靈丹，讓一切社會都活起來。而「前解嚴時代」的社會動盪，走上街頭的空間雖然變大，但是公權力的阻礙卻也毫不退讓。這樣的社會看起來一切都有希望，一切都有不一樣的可能。

但是，解嚴對於很多少年人來說是陌生的，因為它在我們的教育中被迴避。雖然觀影人如此，但是電影中所描寫這樣環境下的愛情，卻是可以被理解的。《女朋友。男朋友》中的學運戲，如果對這些觀影人表現的是陌生的社會氛圍，於是可以理解成一種異國情調。在沒有什麼真正的威權可以被反抗的今日，有人渴望戰火下的愛情，有人壓抑革命的企求，有人從體制外走到體制內，然後忘記了自己心裡面的東西。「幹你娘什麼民主自由！」也許只是一句台詞，從走過威權之路的人兒口中，對於那些忘記初衷的人，失落的發聲。卻也不只是台詞，這樣的熱度與精神，喚起了那個世代不可說的回憶，禁忌的愛情。也讓那些觀影人在這樣背景的愛情、友情故事裡，感受滿腔的傷懷，並想起那個很久沒聯絡的那個她／他。

（桂綸鎂、張孝全、鳳小岳、張書豪齊坐中正紀念堂熱血吶喊）

《女朋友。男朋友》並不是一本政治故事。楊導跟我說，這是由真人真事所改編。

下一篇談演技，請各位期待：

《女朋友。男朋友》素樸勛X楊雅喆 二之二 入戲太深

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《翻滾吧！阿信》叫媽媽啦！

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《寶島雙雄》之國片不死，只是玩殘

日本MV導演清水康彥三十歲而已，年紀大筆者些許，但是其熱情確是無限的展露，不受翻譯鄭姐的限制，熱度彷彿可以跨越語言！

原本是宅宅的他，今年卻是日本最受歡迎導演。不多說，讓我們看看他的作品！

文／素樸勛

影像是最多樣化的形式

清水導演認為有了個人電腦之後，創作就是一種唾手可得的藝術。「所謂的影像創作，就是將裡面的衝動外放出來」清水是這麼說的。他舉咖啡為例子，咖啡是苦的，是可以說出來的感覺。可是有些感覺不能用言語描述，所以繪畫就會用筆表現，音樂就會用音符表現，而對他而言，他用影像來創作藝術，這樣的藝術也可以包含繪畫以及音樂、時間的呈現，影像藝術，是最為多樣化的形式。

現在有許多的委託人，都是因為喜愛清水的風格而找上門來，希望他盡量將導演的特色加進影像創作當中，於是除了早期初進第一間公司的經驗之外，根本沒有遇到委託人對他創意玩得「太過頭」的疑慮，當然很多合作也是要透過「熱血」的溝通才能順利促成。2011年，替日本知名的金屬團MTH攝製的音樂錄影帶，是導演近幾年的作品中，一個顯著的例子。

（註：MTH是類似「死金屬」、「黑搖滾」的樂團）

吊一下觀眾 罵聲卻行銷成功

Maximum the Hormone 是一個東京的金屬團，中文的意思是「極限荷爾蒙」，這形容詞同時也恰如其分的表露其樂風。鼓手NAO在2009年懷孕，於是樂團的動作就沈寂了一陣子，並直到了2011年樂團才復出，找上了清水康彥。在正式單曲推出之前，樂迷們也引頸期待，但此時清水康彥推出的音樂錄影帶，則是團員們唱著歡樂、親情的溫暖歌曲，鼓手NAO在太陽下的公園輕快的轉圈跳躍，曲名還叫做「小さな君の手」譯作「你的小小手」。粉絲們於是反對聲浪群起「什麼？生了小孩就變了嗎？」，甚至對這樣過於溫馨造做的曲風和影像提出抵制，聲稱要還給他們真正的金屬嘶喊的MTH。然而，一個禮拜過去，完整的音樂錄影帶版本正式推出，原本音樂錄影帶中，溫暖聲線之後的一個轉場，鋪陳出了真正的嘶吼與金屬音樂，展現反差極大的MTH。於是粉絲與樂迷們為之瘋狂，這樣的效應也引起極大迴響，於是在行銷和娛樂上都非常成功。如此手法，清水導演稱之為「吊一下」。這樣的音樂錄影帶不僅表現了其多元的創意巧思，也呈現了其純熟的後製技術與CG運用。看完這支MV，搭配上他年輕又有活力的特質，就可以知道為何這位日本當代最火紅的MV導演，總是那麼開心，還有這麼受到觀眾歡迎的原因。

（《你的小小手》請務必看到最後，會變奏）

本文全文將刊登於《廣告ADM》雜誌，敬請期待。

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導演陳駿霖、配樂徐文 領域交會的對談

 （陳駿霖、徐文）

文／素樸勛

陳駿霖導演在是在波士頓出生，大學畢業之後回台灣替楊德昌工作，自此就投入了電影之路。徐文是《一頁台北》、《愛你一萬年》的電影配樂。短片《256巷14號5樓之1》的配樂。陳駿霖在美就學期間的碩士畢業製作《美》是2006年的作品，在台北電影節有播過，與後來的《一頁台北》劇情有點相似，都是從麵攤發生，於是音樂的風格也相似。

寫劇本的時候，導演會不停的聽音樂，找一些適合的，調性相關的歌曲，甚至作一個曲目清單，也會作假的專輯。導演在這方面花的時間比寫劇本的時間還多，因為對他來說，寫劇本是很具體的，但是聽音樂是很抽象的。

電影《一頁台北》的音樂元素

《一頁台北》當時想做一個30年代的爵士風格。用一個現場的感覺，來建立現實30年代爵士的味道，找四、五個人在錄音室，於是找一些台灣的樂手來作看看。徐文認為，通常在執行舞台劇、電影配樂的時候，會找一些參考的音樂，作為參考的，有可能是其中的旋律、音樂配置，或是製作方式。復古的音樂時錄方式，就像現場表演一樣，大家表演然後錄起來，吉他錄好了，在另外一個錄音室把鼓錄起來，之後再換貝斯手。在《一頁台北》也是採取這樣的方式，一個一個堆疊上去。麻煩的地方是不容易剪接，不能犯錯，而且樂手的技術都要非常到位，前製工作也要做的非常充足。

音樂不只是設想，通常也要考慮到執行面，找樂手來演出，就是要瞭解在台灣能不能夠做出這樣的東西。以他國的曲子作參照，但還是要以自己的方式去詮釋，不能夠照抄。

徐文作配樂，常被問及為何會作這樣的音樂，對他而言，這樣的問題其實要去問導演，因為合作這樣的音樂，是源自於導演的想法，徐文會給建議或是製作，會嘗試、會刪減，最後才會給大家聽到。

短片《256巷14號5樓之1》的嘗試與驗證

這是《10+10》其中的一個短片，演員為張孝全與張韶涵，是一個巷弄中吊洗衣機入厝的故事。其中有兩條敘事線，而一開始的配樂設定，是浪漫的爵士。

短片緣起於陳駿霖導演走在迪化街的時候，由於台灣有的門戶很小，大型家電不易進入，而正看到有一戶在吊掛洗衣機，當時迪化街很多人，下面的人都很緊張。當下的氛圍，讓國外長大的導演覺得這是真的台灣，所以圍繞這個巷子，於是有了這樣的故事。

短片的配樂設定，原本設定的是旋律，當時也決定要這樣做了，但是短片剪好了之後，發覺旋律加進去不對。於是討論決定，應該要加入的是節奏。電影就是這樣音樂跟影響的過程中，會有很多挫折也會有很多變數，譬如說拍攝的過程因為天氣不好，所以顏色不一樣，同樣的，音樂就會不一樣。

即將開拍的《下午茶》設定

《下午茶》是陳駿霖正在開拍的一部電影，是一部提及家庭、愛情、同志、社會、生活的電影，與《一頁台北》不同，這裡是講上班族平凡家庭的，而且把台北的地景拍的不太明顯，因為原本就設定是可以拍成日本的城市。講一個愛情的衝突，是都市風格的一個故事。電影看似嚴肅，卻是一個荒謬的喜劇片，配樂方面，導演決定要用50年代的美國歌舞劇。導演說：「我講不出為什麼，但是說出來了，好像應該是，好像也對。」

徐文在楊德昌的電影《一一》中，體會到了他所能理解的台北城市，身為台北成長的小孩，雖然每個人觀感都是不一樣，但是《一一》拍出他對台北的感覺。徐文認為：「這次我也會有這樣感覺，《一頁台北》把台北拍得很漂亮，但是台北有他另外一面。放鬆的台北、通勤的台北都是不一樣面貌的。」《下午茶》描繪的故事是拍出實際樣貌，男主角是眼鏡行員工，女主角在藥廠工作，不是設計師、作曲或其他比較光鮮的工作，配樂的主要參照，就是上班族的一些元素與符號，例如日光燈、老闆、員工，來作為發想的參考依據。

通常國片的流程，都是實際拍完、剪接完成之後，才會作聲音的後製。但是徐文以及陳駿霖很早就會討論音樂。徐文說：「你們家裡可以試著把電影的音樂關掉，然後放一個法國的爵士樂，會有不一樣感覺。」陳駿霖不喜歡理所當然的音樂，這次的概念誰想的到歌舞劇來呈現。上班，下班，規律的生活中，卻可以追求愛情，對於生活，你能不能妥協？這都故事都是日光的台北發生在《下午茶》中，相對於《一頁台北》很少白天，最多也只有兩場戲。

復興國片配樂之路

徐文認為，許多作曲喜歡使用管弦樂團，有幾個原因。首先，因為在對應畫面的時候，可以有很多的變化。另一方面，雖然用流行音樂的架構，也可以作變化，但是變化就不大。舉例說來，光是小提琴的力度、速度、斷音，就有很多很多的變化，表現也可以很多層次。其次，管弦樂是全世界公用的調色盤，當作曲跟作曲之間相互在聽得時候，就可以知道風格區別在哪裡。譬如作畫的水彩與噴漆，若是都用鉛筆畫畫，才容易比較。這就是作曲家們喜歡管弦樂的原因。

而台灣的管弦樂並不比別人差，為何大的電影都要出國錄音呢？《賽德克巴萊》、《當愛來的時候》都是用管弦樂來作配樂，同樣的是，他們都是出國錄音。台灣並不是沒有技術人員與專業器材，原因在於，台灣沒有裝得下的錄音室。例如TFO（台灣電影交響樂團）一個樂團要50到60個人。另外，翻譜不能有聲音，小提琴、大提琴、樂助、錄音助理，大概就是七八十個人的事情。而台灣的環境，就是沒有錄音室裝得進去。

可愛的是楊貽茜、王傳宗聯合執導的電影《寶米恰恰》的配樂在台灣錄，因為只錄十幾把弦樂，可以去白金錄音室錄。但是《下午茶》也想做一樣的事情，所以才與台北市立交響樂團、台南教育大學合作，希望可以把配樂這件事情，留在台灣作。

留在台灣錄音對電影產業也有好處，舉例說來北京的樂團都是每天在錄，因為用量大，每天都去執行，這樣累積下來，就是經驗的堆積與練習，技術人才於是間接的被培育出來。

陳駿霖認為，他喜歡跟徐文聊電影、音樂，因為這是電影最好玩的過程。例如導演想要讓演員飛到天空，但又不想做動畫，於是要考慮吊車、封街、技術等等不容易的問題。打趣說來，他們都有些原則，因為導演不想用動畫作這樣的電影，就跟徐文不想去北京錄音一樣堅持。

延伸閱讀：

我不懂人性的光輝《一一》-楊德昌作品

（ My Life as a Dog, 1985）

文／素樸勛
柏格曼名氣太甚，但是瑞典不是只有柏格曼（Ingmar Bergman）。《狗臉的歲月》是 萊斯霍斯壯 （Lasse Hallström）作品，這是一個小孩的故事，這個故事與乳房有關。

狗臉
狗是兒童之夥伴，不離不棄。曾經身為一個兒童，多麼想要擁有自己的物和空間，因為這可是天底下最美好之事情。在被告知要離開家裡，與老阿嬤陪伴同睡時，舅舅說了一句「不是要趕你走，你還是可以常常回來啊，只不過是換個地方睡，晚上睡那邊罷了」這樣殘酷的宣判，使得小男孩化為狗態，如他的愛犬一般，無理的對人類狂吠，讓大人也只是心疼無奈。 狗隻萊卡，作為一個大人與兒童之間的信任與承諾的連結，也因為這個連結，產生了歸屬與離開，這些輕如鴻毛的小情緒，在兒童觀點的世界中，卻又是重如生離死別。

乳房
乳房符號，假借母親的愛，在病痛耗損的親情之間，男孩所企求的關愛眼神於是缺乏。小男孩英格瑪必須過於早熟的面對，面對世態的變化。大人們毫不避諱的談論柔軟的胸脯，毫不強調小男孩對乳房的好奇，於是由此所建構出來一種自然的氛圍。乳房不是禁忌，也不是獵奇，只是一種溫暖的懷念。遇到小女孩，卻為了胸脯的壟起而煩惱不能繼續男子足球隊，這樣巧妙的性別探索，幫妳纏胸。可愛調皮的女孩，卻在盛怒之下，吼出仿效成年人的咒罵字眼，眼看這兩個孩子應該恨死了對方，但是微笑的電影行文，卻讓觀影者的小小揣摩被打了一個耳光。

兒童世界的細膩，與大人世界的粗鄙的、可愛的笑聲，兩者揉合。揉合可愛村子裡可愛的人，並沒有二分法的切割天真與世故，這樣的兒童心理觀點，在1985年，那個筆者出生的美好年代，蔚為電影風潮，也在美國票房創下佳績。今年（2012年）台北電影節的瑞典浪潮，您不能錯過。

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非常偏差《屠夫男孩》

(Carnage, 2011)

文／素樸勛
中文片名《今晚誰當家》與英文片名相去甚遠，除了是要強化電影雙姝對決的張力，也讓片名脫去談論文明的沈重包袱。僅有一個場景，演員的張力與收放撐起全場，營造出空間的不安與緊繃，讓觀影人既有企圖卻又無法逃離空間。跟著劇情起伏，然後跟著擺脫虛偽並在情緒上走向爆破。

Yasmina Reza
乃法國劇作家，也是2009年東尼獎（Tony Award ）最佳劇本得主。本片《今晚誰當家》就是改編自Yasmina Reza 的劇本 "Le Dieu du carnage"。無獨有偶，早些年台灣就曾上演過吳定謙搬上舞台，2010年綠光劇團的《文明的野蠻人》。舞台劇版本與電影《今晚誰當家》的差異在於舞台劇全本兩個小時的演出沒有中場休息，舞台劇又與文明、教養的設定緊緊相扣，毫不迴避，於是跟觀眾胃口產生了距離。另一方面，電影的行銷、娛樂規模平易近人，除了演員演技精湛在電影中濃縮，行銷也相當成功。挑戰虛偽的矯飾議題，雖然與觀眾的距離仍在，但是濃縮的劇情與對白張力更甚，電影化之後，於是穿透力更強。

Roman Polanski
論行銷，此爭議性導演，因為性侵疑雲為人所知。但其影像與性侵的連結，則是表現在牽強的對美國的想念，無法回美卻在電影裡穿插紐約公寓的虛假陳設和故事。其《戰地琴人》、《獵殺幽靈寫手》是其較為著名的作品。本片，執導高張力的個人戲碼，在斗室之間過招。導演功力著重於小物品、器具、陳設的細部描寫。在本片中的關鍵物件，有手機、攝影集、酒，串場的有無數無聊笑話，還有看似不相關卻相關的高來高去之各種問候。

Ironic
在單一場景的不同鏡位動線實屬功力，這樣的空間內，因為交談而產生的張力，讓禮貌的微笑都是一種負擔，而這樣的負擔確實，正以文明為名在你我周遭正在上演。這本就是習以為常的成人面具，司空見慣，但是輔以談論兒童鬥毆的副線，家長們卻又諷刺的在規範與不規範中挑戰自己原本的底線，好比在星巴克啖咖啡大談《資本論》一般反差。這樣的反差當然脫不去情緒的失控，男女性別的結盟與離間，還有最基本貌似嚴肅恭良的文明，話中帶刺的溫暖問候。 這樣的痛快，應該源自於文明病的廣泛罹患，有病的筆者，因為演員飆技而深感爽快，不知看倌是否願意走入小室，看高手過招？

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（Double trouble, 2012）

文／素樸勛

國片不死，只是玩殘。君不見車頂打鬥的綠幕KEY板很沒有誠意，而且讓我輩回憶古時電視裡演出孫悟空騰雲駕霧之廉價特效。唯一讓人激動的是兩台車體接觸而噴發出的火花，哪怕只有不到一秒鐘，也都是滿滿的誠意。

陳漢典
陳漢典，一個最耀眼的新人，本片中卻展出江郎才盡之態勢，我還是喜歡《艋舺》的猴嬰仔。《寶島雙雄》中，無論是康熙梗或是個人演技，均無突破，反而感到相當的乾硬，這樣的硬，好比已經無濕無潤，卻要勉力強求一般。古語有云：「機會是給準備好的人」，無奈，正如nono在大型頒獎典禮上組合的三口組表演，讓他唯一跳脫B咖藝人的機會就這樣流失，演出一個無趣。於是只看出他平時是真傻，而不是大智若愚。漢典的誇張演出，不適合緊鏡頭，那花俏的髮妝，只是讓他更為囂張爾。演技用力，是本片演員通病，唯一軟慢到不行的，卻是中國代表夏雨。

夏雨
俺看得出電影企圖，是要仿效《痞子英雄》的經驗，好讓電影無論在商業上或是題材上，都能與中國大陸靠上邊兒。這樣無可厚非，只是喜感演技不佳，口條亦不佳，因為要仿效黃渤老師的妙語如珠、快人快語並非反掌，夏雨飾演的大海哥，只能慢吞延遲的說上幾個不好笑的台詞，隔靴搔癢。這樣的癢搔再久都不會痛快，因為男一男二之間的對白過招，實在太冗長，電影想要表現的方言妙答失敗，但長度仍然不變，我輩只得期待對白之間的動作戲份了。

(好好女孩包肉粽)

成龍
動作戲中，可以稱是的唯有「飛車追逐」、「打鬥」兩者。兩個外籍小妞，身材曼妙不說，還硬生生的被自己人給性虐成肉粽，鏡頭不客氣，讓女角的腋下鬍渣開朗見客。帥氣男模錦榮後來死的不明不白之外，更在這場常不必要的戲碼中樹立了其變態與喜愛吊環之特色，這樣的特色之細膩，比之成龍之子，房祖名來得全面而有條理。細細看，錦榮變態喜好吊環的設定，即使在沒有戲的廢棄貨櫃裡，仍然有吊環廢棄晃動在其中。反之，房祖名的情緒不是在火山高峰就是在平靜低谷，如此扁平簡單，可以瞥見編劇哥之私心，也是我們西方男子漢的哭泣。

「動如脫兔，靜若處子」還是客氣，根據導演要求的成龍模仿，真的為難房祖名。因為成龍根本是不能被拷貝的，他的打鬥之間的搞笑、摔、跳、衝動、急躁，都自成一格。而這也不難理解，電影海報所下「絕不靠爸」的房祖名，最終還是不能迴避父親包袱，而讓電影顯露這麼多模仿的痕跡。

(編劇偏心)

胸部
無論是檳榔西施，或是兩位外籍竊盜集團女打，還有故宮女打，都只是過場。而且後三位女打，都被刻意的去掉其特質與個性，全然以胸部入戲。在打鬥過程中，或是非打鬥的纏鬥，不曉得有千百次被男演員的手搭在胸部上面，然後演出意外哈哈。疑惑，這是在向成龍飾演孟波之《城市獵人》致敬嗎？我輩當然並非以女體的大旗來修理這樣劇情，而是編劇當真山窮水盡，沒有其他的梗可以玩，玩到這三位女性（加故宮女打），我都看成是同一個模樣。

（成龍躺著中槍表示：我只摸手）

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《茱麗葉》令人注目的沈可尚-兩個茱麗葉

《腳趾上的星光》兩岸愛情賣弄郭曉雯被稀釋

《3D食人魚》好乳美臀喃喃咬

商業與熱血，殺手、那些年、奇華月餅。

(Melody, 2012)

文／素樸勛

「愛情，在聽不到，碰不到的時候，最強烈。」這麼強烈的詞，應當也要濃烈的動畫內容與工藝技術來匹比，沒想到過於高妙的愛情惆悵，全然沒有立基之地。

兩岸愛情中國賣弄

因為兩岸市場的靠近，也因為文化的差異性在這樣的靠近過程中更加突顯。書寫兩岸的愛情，在現實生硬的兩岸政治談資佔據大部分我們對兩岸的認識，於是柔軟的愛情故事為了要避開逃不開的現實，很容易失焦在泡泡之中。早些年，電影《雲水謠》的兩岸愛情故事，在去政治的脈絡下憑弔，但仍然有著歷史的糾結。而《腳趾上的星光》完全是大陸觀眾的觀點，在這樣的商業考量（還有刺眼的x朗咖啡置入），影響劇情甚鉅，產生了不和諧。在《腳趾上的星光》，林宥嘉飾演的男子，隻身前往大陸，懶洋洋的受到大陸角色的詰問，好比是大陸觀眾在對於寶島台灣的獵奇，而台灣部份的故事鋪成，卻又那麼的不真實與扭曲。與其說是過於浪漫與偶像的設定，不如說是泡泡一般的口白與劇情，敵不過粗糙的繪畫品質，與實境拷貝畫工的失算。

音樂如詩本質應更強調

商業算計也埋沒了真正感動的故事。動畫電影《腳趾的星光》看似是一片念小說台詞的錄音帶，台詞拗口，就像是方文山在《愛到底》中把文字直接打在螢幕落落長犯的錯誤一樣。反而是電影之外的真實故事，原民歌手 郭曉雯（Elin）抱著病痛錄音，更為感動人，但這樣的感動，電影全然沒有提及，而是一直夢幻來去，吹美麗的兩岸泡泡。對於音樂掛的製作人姚謙，來說，這樣一個很優質的行銷電影契機，竟不好好把握。跨界改變台灣電影的例子，除了周董的《不能說的秘密》成功的以音樂人姿態走電影之路，除此之外，音樂人能夠為電影作些什麼？海報上提及的24封信，到底安插在電影的哪裡？是影片中通訊軟體的電腦螢幕帶過嗎？「兩年 兩個人 兩個城市 24封信」的標語，於是又成為空泛又孤獨的純文字、數字賣弄。

聶永真僅擔任標準字設計

片尾看到永真的名字，讓我驚呼。經瞭解，設計師聶永真的努力，僅只於海報標準字而已，電影動畫的製作另有奇人，是美術專業的人士，而且還辦過個展。無論如何，客倌不用驚呼片尾有那麼多音樂人，甚至非音樂人的助拳和協力，因為不私心的互相消費與互相支持，正是這個產業的美麗又哀愁的緣故。

廣告Adm 4月號/2012 第251期，回顧2011年的行銷成功案例：

緊抓觀眾心理 免費的行銷戰略

專訪前索尼音樂娛樂大中華區總裁 崔震東

前言：《那些年 我們一起追的女孩》是2011年，最為成功的行銷案例之一。當然，內容優先，接在內容之後的行銷，亦是種藝術。2012年的今天，讓我們回顧這個行銷案例，是怎麼攻城掠地，卻又不耗一兵一卒的，讓我們看看負責該片行銷的崔震東如何魔法！

 （廣告Adm 4月號/2012 第251期）

文／素樸勛
最初，九把刀被柴智屏簽下，為的是要替新的戲劇來寫劇本，沒想到他本人還有他的小說一直竄紅。柴智屏在大學時期念戲劇，仍有電影夢。崔震東是索尼音樂娛樂大中華區總裁，對於亞洲的影視聽環境，都相當瞭解。九把刀就負責將這一個真實的人生故事化為劇本。《那些年，我們一起追的女孩》成為概念之後，原本就擁有故事版權的九把刀與柴智屏找上崔震東，鐵三角坐下來商討。崔震東估算擁有30萬書迷的《那些年》小說，最差頂多打平。

在擔任導演之前，九把刀只有執導過短片《三聲有幸》的經驗。柴智屏也是第一次的從戲劇跨足製作電影，崔震東也是首次行銷電影商品，甚至在之後行銷過程中，還與負責發行的福斯電影公司有不同的戰略看法。

看起來一切元素都具備了，但，行銷要怎麼開始呢？

全城效應不用錢

上映一周的累計票房達1億5千萬新台幣、總票房4億1千萬台幣，為歷年台灣電影賣座第三名。官方臉書粉絲人數達80萬人，超越歷年來所有台灣電影的臉書粉絲總和。第一支正式電影預告點閱2720000次（為台灣電影史之冠）。在衛視電影台的電視播出，也超過300萬的收視群。73天打破香港「長江七號」的神話，總票房6186萬港幣，為歷年華語片賣座冠軍。由胡夏演唱的主題曲《那些年》，也成為香港全城的國歌，更讓人稱奇的是，崔震東沒有花一毛錢。

網路行銷雙向道

網路起家的九把刀，當然不能錯過他的網路讀者。而網路讀者與製作期的互動，是《那些年》秘密武器。粉絲團的經營，有專職的小編負責，不停的更新訊息，讓這些網路粉絲更加固著。具體說來，要與網路上的讀者互動相當不容易。這隻電影比其他電影的預算更加精心，設計了六支電影預告片。「參與感」的塑造就是在真正參與，於是針對電影預告片，特別辦理了票選活動，粉絲頓時成為了電影的一部分，那些參與者的口耳傳播的效力最直接。在電視方面，掌握時段，並採取造勢活動。在傳統的電影行銷來說，並沒有這麼盛大的慶功宴，頂多在破億的那一個節骨眼發個新聞稿。但是崔震東鋪上紅地毯，精準掌握媒體新聞時段與新聞點，讓造勢不僅成功，也成功掌握了媒體的曝光。這樣的成功操作，讓負責發行的福斯電影也大為稱奇。

熱血收買了香港商城電台

崔震東不居功，反覆提及要有好的電影作品，行銷做起來才會事半功倍。與香港商業電台的合作便是一例。

香港的電台、電視台的數量不多，於是操作起來不若台灣媒體容易被稀釋，於是與較為另類、非主流的商城電台合作，便是戰略之一。由福斯安排試片之後，整個商台為之感動，便主動提及要代為宣傳，但是要獨家。就是這樣被感動的緣故，商台瘋狂播放電影歌曲、預告，更在《那些年，我們一起追的女孩》上映之際，每個DJ都強力推薦。這些服務根本不花一毛錢，崔震東說：「因為感動，商城參與了《那些年》，在電影票房破紀錄時，DJ們很開心說自己果然沒看走眼！」這樣的參與，不是用錢，是用熱血收買的！

兩個口碑場看出功力

在台灣的口碑場，距離實際上映一個禮拜。藉由有限的每日場次創造出「想要卻得不到」的心理需求，然後口碑蔓延發酵。在香港方面，挾著在台灣所創下的佳績，口碑場的設計，硬是距離上映有兩個禮拜，於是這樣的心理狀態被操作的更為徹底。在香港的票房不錯，但是可以更好，崔震東說：「為了要在過年前破星爺《長江七號》的票房，我施了點小技巧。」當時推出了現限量海報，一共四款。男主角一款、女主角一款，合照兩款。這樣的分眾設計，還分散在四家不同戲院，但是每家戲院卻僅提供一款…

(更正啟事：作者誤植雅萍姐，小編要請我喝咖啡。)

百變與熱情

另一個震東的唱片發行，也是在他預料之內。談起香港，這個票房量很少的地區，卻作為台灣之後第二站跳島重點，是因為她的媒體輻射效應，可達星馬。作過電視，懂得媒體時段運作與需求。精確掌握粉絲心理，成功創造參與雙向道。

崔震東談起電影行銷，跟一個大孩子一樣充滿著熱情。這麼多行銷武器與條條有理的邏輯，來自於他法律系與紐約奧美的訓練。行銷功力的展現，無非熱情而已，不要吝嗇展現你的熱情，因為也不一定會有那樣的機遇，可以有機會行銷《那些年》這樣的產品。

本文改編自 廣告Adm 4月號/2012 第251期

廣告Adm 4月號/2012 第251期，回顧2011年的行銷成功案例：

負億萬富翁如何感動富翁  8.8億的《賽德克巴萊》 全憑人情味與感動

專訪中影國際行銷總監 陳家怡、副理 黃綉惠。

 （廣告Adm 4月號/2012 第251期）

文／素樸勛

早在《海角七號》之前，為了電影《賽德克巴萊》，魏德聖導演在2003年就已經拍過提案用的五分鐘短片，卻因為資金的缺乏仍然擱置電影的製作，直到《海角七號》成功之後，魏德聖才重起計畫，中影國際行銷總監陳家怡說：「魏導由億萬富翁，變成負億萬富翁。」魏德聖為的就是那些在等著他作品的人，讓《海角七號》的感動可以延續。

然而資金的匱乏，讓上映變成一件很虛幻的事情，很多人都在問、在猜，也有人說魏導是個瘋子，認為不可能，也作不到。所有的創舉，也都是根據這樣的困境而來的，也是因為這樣的精神，讓「如果文明是要我們卑躬屈膝，那我就讓你們看見野蠻的驕傲」這樣的句子，成為電影精神以及製作環境的絕佳雙關描繪。因為不簡單，所以有很多電影的第一次。這樣的第一次，不只是行銷的第一次，更是在台灣電影史的第一次。

不平凡的成就

這是一部席捲全國卻不講國語的國片，而是講賽德克語、台語、日語。這是一部好萊塢等級的場面製作，卻沒有大明星。除了上下集在全台灣的累積票房總計達8.8億元，《賽德克巴萊》更是臺灣有史以來行銷最盛大的電影。包括電影套票、周邊商品、異業結合、書籍出版等，並在臺灣成功激起「賽德克巴萊」旋風，並參加第68屆威尼斯影展。

看一個朋友搞民族運動

不同於其他電影，《賽德克巴萊》的電影行銷時間是以年計的。《海角七號》的成功之後，還不知道電影上映時間的《賽德克巴萊》官方網站就開啟了。拍攝期的困難，跟行銷完美結合。影視首創，團隊發售「開鏡套票」，正是電影拍攝困境的最佳寫照，也就是因為如此，所有影癡、電影人，都獲得了一種直接參與電影製作的管道。拍攝團隊也是，因為便當錢也墊了不少，於是成就這部電影的，是幕後的英雄，也是無數的觀眾。直接面對觀眾也是魏導的行銷方針，討好觀眾比起討好媒體成為了首要之務。2011年7月26日的預告片，也是讓影迷先知道。

因為目標觀眾就是被《海角七號》感動的那一群人，魏德聖堅持，官方網站的內容必須充實。要求行銷團隊無論如何千頭萬緒，日復一日都要寫日誌。於是電影開拍了幾百天，就累積了幾百篇的文章，文章的內含包括拍攝團隊、歷史事件、演員等。這些一路走來的觀眾，於是「像是看著一個老朋友，在搞民族運動」般的踏入電影院。他們不僅是受眾，更直接參與了這部電影的製作過程。

關鍵記者會媒體變粉絲

因為外界都不知道劇組在做什麼，所以積欠商家、停拍等等的負面新聞不斷。而一場關鍵記者會，改變了一切。電影的調性，是基於相對深澀的歷史議題，於是行銷定調不說歷史，而以史詩場面動作為訴求。在2011年5月14日的記者會，保密到家的片場首次邀請媒體記者來參訪。克難的片場滿佈泥濘，記者們就這樣跟戲迷一樣吃苦，也向外界表達了《賽德克巴萊》的刻苦環境。這場記者會後，各家爭相作新聞，沒有一家願意獨漏，行銷團隊的忙碌變成要回應媒體要照片、作新聞的需求。此時的官方部落格，也成為了媒體挖寶的地方。這場記者會，讓很多記者變成了粉絲，也讓這樣的感動傳播出去。

感動派的異業結盟

感動的傳播，不只是要到電視機前面，也要到達人們的心裡。與企業談合作，行銷副理黃琇惠說：「別人常怕我們把他們吃掉」，因為品牌太大了，對方怕合作之後被模糊焦點，所以不願意合作。這樣現的估算，雖是常態，但有奇蹟發生。

與國立自然科學博物館合作前，因為公家單位比較嚴謹，洽談時總是多所顧忌，但是去小房間試片之後，片末紅著眼眶談成了合作。就是這樣的由來，於是談成展出歷史文物、電影相關物件。也由於電影血腥不適兒童，科博館還特地設計一套小朋友也可以看的「賽德克布袋戲劇」。被感動的行銷，比評估商業效益還要來的有力量。

與魏導同為台南人，周氏蝦卷的「周董」一口答應五千份套票，過於爽快得讓行銷團隊感到疑惑。但不出幾天就收到十一個的店家的LOGO電子檔，以及同意書。這個方案是598元買兩張電影票，含有「紀念鹽袋」，以及超過500元，可以在台南吃透透的美食兌換券。重點是五千份的認購金額，還是周董先行支付。這樣的行銷怎麼談的？原因無他，感動而已。

世界市場行路難

縱使擁有台灣8.8億的票房，但是要回收仍取決於大陸市場。在知道2012年5月10日上映日之前，中國廣電總局是不允許電影宣傳活動的，只能憑藉著打書的活動，隱晦的宣傳電影。撰稿之際，魏導仍在北美、南美跑行程。這都看出《賽德克巴萊》的成功還不能鬆懈，雖然在台灣電影下檔了，電影環境的艱辛，卻才要在世界開始。

本文改編自 廣告Adm 4月號/2012 第251期

(Stanley’s Tiffin Box, 2011)

文／素樸勛

就像是其他國家的二手流行，卻是我國的暢銷排行榜。印度的現在光景，因為發展的步調不一致，正好看起來像是台灣的早期生活，那種曾經苦過的，吃鹹菜脯、蕃薯簽的年代，無意間被封存下來，好喚起我們的記憶。一般來說，印度電影總是會充斥著華麗的排舞，眩目的華服洋車豪宅，肌肉鬍子男還有豐腴可人的女主角，但是《史丹利的便當盒》沒有。

發展中國家的憂傷
許多評論人說，華麗是要為了掩蓋印度的哀傷，掩蓋貧窮線以下的生活，編織個美夢。在印度電視台可見的全時段軍事頻道，讚揚軍事武力的偉大國家形象，當然可解讀自獨立之後的國族驕傲，如同空有民主招牌的政治制度一般。然而美麗更比華麗的寶萊塢本來就不是負載著什麼社會責任，而是編織豪門想像與貧窮翻身的庶民娛樂。只是這次不一樣了。

即使在《貧民百萬富翁》中，對於血汗童工系統的描繪之外，仍有排舞，以及用龐大的獎金來達成「翻身」的階級翻轉。「排舞」與「盧比」，正是寶來塢電影撫慰人心的必備符號。這樣的符號在《史丹利的便當盒》沒有，沒有奢華的跑車、私人飛機，也沒有華麗編排的集體舞蹈，頂多是基督教學校裡就讀的小學生史丹利，調皮又多情賣弄，那模仿成年男性的賀爾蒙。

《史丹利》不是一出生就悲哀，在父母雙亡之後才踏入了「我不敢說」的沒便當吃的日子，這跟他的自尊有關，那受過良好教育的自尊。這樣寧願自己挨餓，也不願意表示軟弱與乞求的高尚情操，導致了意外的後果。日本電影《無家可歸的中學生》也是，並不是處在真正的貧窮社會中，卻因為自尊和骨氣，住在公園與小學生搶蝸牛樓梯。印度電影中的小孩主人翁，史丹利，這個擁有洋名在基督教學校念書的小孩，教養能差到哪裡去。他也許不懂乞討和街頭生存，但是他的挨餓，是源自於不願低頭的骨氣，而不是他周圍的人有多麼的冷漠和無情。

人造童工發展局
這樣描寫一個經過設定才挨餓的電影，當然不比《貧民百萬富翁》中那直接對「人造童工」的描寫與控訴來的有力道。無論首都德里或是南方大城電影孟買，只要是「大」城市，兒童問題一直都在，那街頭的生存方式，「人造兒童乞丐」的經濟發展模式，確實是一個不願意被正視的事實。也是為此，《史丹利的便當盒》特地在片末打上長長字卡，加強對於兒童現狀的關心與描寫。畢竟過於血淋淋的現狀描繪，並不是印度電影最為主要的目的。

筆者在印度坐火車，每站都會有小孩上車，利用停靠月台的那段寶貴時間，他們湊到你的座位邊，拿著小掃把晃啊晃，然後伸手跟你要錢。另一個小小手，拿著透明塑膠袋，散發出強力膠的味道。隔壁的印度眼鏡哥也許看多了，幫我揮一揮手，發出嗤嗤的聲音。後來，我只敢跟戴眼鏡的小孩玩耍，這是以貌取人，是的，因為髒兮兮的孩子，也許是被精心裝扮的，他們集體圍過來，會把你扒光，摸你手機或皮包。台商哥跟我說，這是國家的問題，政府的失能，沒有必要替政府收這爛攤子，所以盡量不要施捨，會助長人造童工的地下發展系統。我沒有聽進去，一個青少年跟我要，我就給了一根煙，然後突然享受了十幾秒被簇擁的感覺，大夥散去我的菸盒也空了。

印度烤餅分你吃
分食，是印度人的熱情傳統。當然是一種友善的表現，跟許多世界都是一樣。但，他們用手抓取，也許不能接受，但這並不是一種過於「飢餓」的表現。在《史丹利的便當盒》中主人翁是左撇子，這樣的設定也與印度以右手為尊的觀念相同，並左手不潔，是清理便溺之用途。這樣「與眾不同」的兒童設定，源自於左手的衝突，被美麗老師瞬間救贖，這樣的解救女神，當然獲得小男孩的愛慕眼光。

電影中的「大暴君」是一個將友善視為當然的貪吃老師，這樣的貪吃不僅誤事，也將他的價值觀扭曲，把「便當盒」視為一種人格的延伸，直指破壞分食傳統的貪食無賴。即便是台灣，國中、高中的「游擊哥」所在多有，也是重要的學生記憶。觀影人可以從分食便當的記憶，以及從華麗電影裡被複製出來，還有那過於早熟的把妹招式，如同《史丹利的便當盒》中肥孩、聰明孩的「分你吃」熱情一樣，讓人感到既趣味又窩心。

延伸閱讀素樸勛：

2007金馬影展：「大吉領有限公司」The Darjeeling Limited

《寶萊塢之爆裂警官》不怕掌摑，怕你愛我。

《火線殺機》中央黨部也瘋狂：印度政治寓言

2012台北電影節前導：乳房與豆吉《狗臉的歲月》

印阿行腳：

India-印度剪影，從湘北、動物與到小孩

India-Wearing glasses

India-火車須知

Afghabistan-阿富汗的猛龍過江

Afghabistan-美景 班達拉米亞（Band-e-Amir）

India-藍色城市的藍色猴子廟

Afghabistan-WEAPONS 致命武器們

（別忘了按個讚喔）

（Snowfall in Taipei, 2010）

文／素樸勛

《台北飄雪》是一個時空膠囊，不僅封存了筆者的平溪記憶，也把早期的台灣狀態保存了下來。菁桐是平溪線的最終站，這裡是一個沒落煤礦的小鎮。May是個來自青島的歌手，與一輩子要待在台灣農村的小莫談愛。歌手的身份與階級與其他的角色不停的在擺盪。導演的觀點在電影裡發揮極致，尤其是把平溪拍得如此嗜美又如詩。《那山那人那狗》的導演霍建起，是中國大陸地五代導演之列，以其藝術電影見長。

階級對立
城市與農村的流動困難，本是中國大陸長久以來的戶籍傷痛。即使流動的方式與門檻在台灣容易的多，但是固著在鄉下的人們，仍然要與城市作對比，來突顯階級。在平溪的戲佔了電影很大一部份，不過來自信義區的尋找，也從來沒有停過。賓士車、華服、時尚的辦公室，都跟純樸的光景有很大的不同。身處農村，May的身份好幾次要被揭露，沒想到居然也是毫不設防的承認，並不是真心要逃離一切的心情更是昭然若揭。那被刻意強調的歌手身份，無論是來自於眾人目光或是自覺，皆超出了低調生活的應對。

獨語陳柏霖
因為故事設定，May失去了嗓音，在電影幾乎有一半都是失語的。也是因為失語，陳柏霖飾演的小莫在很多感情的表達上，必須要自我應對例如：「我想你應該會餓吧？」之類的獨語呢喃，卻最多能接受眼神或是難得的字句回應。縱使能預見的恢復了歌喉，極致曖昧之後，在最後一刻要離別了才莫名其妙的談愛，如此隱晦的愛戀，保守到不行。

時光膠囊
世局使然，兩岸的流行的差距以年計。《戀戀風塵》、《無言的山丘》仍是大陸導演們極少能夠接觸的台灣電影。霍導使用大量的「你歌伴唱」類的MV過場，十足的復古風情。由故事的觀點來說，「存夠了錢去大陸」還有「長大想當鄧麗君」的故事梗概，都是與真實菁桐或是真實的台灣價值觀是不同的。這些都是真實的中國觀點，他們繼承了政治正確的估算，還有復古的美學陳設。

菁桐的狹窄街道，平溪的天燈，有日據時代的痕跡，還有煤礦的歲月洗禮。但是電影沒有提及，卻是用一種如霧縈繞的方式，描述異地的戀情。即使是上映的今日，因為觀光而不同變換的的菁桐，也與電影不全然相同了，我們珍惜並讚嘆這些得來不易的時代記憶，如同膠囊一般封存在底片裡，還有能夠讓平溪下起了雪的電影魔法。