流浪漢電影協會

 （廣告Adm 12月號/2011 第247期）

文／素樸勛
熱情是創意的春藥，博上廣告的創意團隊，就是以熱情來行銷客戶，這樣的特殊性應該是「福斯Golf性感的C型柱、哈雷機車迷人的三拍聲」，或是任何你可以投入的信條。在此次（2011年）第卅四屆時報華文廣告金像獎拿下最大金獎及四座金像獎的博上廣告，從福斯Golf的信仰篇，博上總經理劉明松告訴你，信仰其來有自。

宛如傳教般的理解

比客戶來得深入，就要跟客戶一樣瞭解品牌！劉總說：「我們連醬油都是用金蘭的！」對於商品的熱誠與瞭解，第一步便是將自己投入產品。如同對於哈雷機車啟動時三拍聲的引擎聲癡迷一般，而踩福斯的油門，也是福斯創意團隊的基本要求，「至少你要擁有一台Golf」，劉總又說：「就算擁有超跑，與擁有一台Golf，感覺仍然不同」。有一次劉總在高速公路上，駕駛著Golf，與另外一台不相識的Golf前後將過收費站，在搖下車窗的時候，收票員對劉總說：「剛剛那台車替你付了。」可以見得擁有Golf是種驕傲，是種愉快的集體認同。在Golf的廣告中，不會告訴你許多產品力，有如何的桃花木面板，或是華麗的液晶螢幕，相反的，而是讓你感受車子的陪伴，這樣的陪伴可以說是寵物，或者是另一半，於是對於C型柱的撫摸與性感，便是只有同道中人才能理解的體會與驕傲。像是自己著迷一樣的理解，本身就買了好幾台Golf的劉總，說起車子來眼睛閃閃發光。

崎嶇的信仰之路

福斯是一個很嚴謹的德國品牌，在其全球廣告產製的過程中，是具有非常多的規範以及品牌調性，博上所做的，就是在扮演維護這樣優良傳統的角色，劉總說：「在美學工藝上的要求，幾乎是汽車側拍要幾度角，都是規定的。所以我們的團隊，可以說是每一個人都是品牌警察」。而精密工藝的訴求，化成影像和符號，在美學的表現上有很多的慢動作，而這樣的訴求並不符合台灣市場，劉總說：「即使是很多外國廣告在台灣播出，我們都有精心計算而剪接過」。所以台灣方面想拍自己的廣告，但是首先面對的，就是與總公司的溝通與說服。福斯的台灣代理太古標達汽車，也花了很多心力與總公司溝通。最後在台灣拍攝，用台灣自己的導演、創意，也和知名的羅景壬導演合作，在合作過程中，羅導的創意腳本與博上廣告的創意團隊，激起了相當大的火花，縱使最後博上的創意，完全被推翻。在廣告中出現的幾個信仰，也都是由投票而產生出來的，團隊的努力，總是要追求客戶的認可。劉總說：「我抽屜有很多的dead plan，很多我覺得是很好的創意，但是還是要看客戶的決定，所以功勞，也都是要成就給客戶。」團隊的成員都將品牌的基本訴求寫在紙卡上，隨身攜帶，確實是實踐了品牌警察的形容詞，而最終，信仰篇的廣告表現不俗，也算是在崎嶇的路上，畫上了不凡的亮點。

不只是廣告佈道

成功的亮點不僅是讚嘆而已。跟福斯汽車的合作，除了電視廣告之外，博上還嘗試著各種「奇奇怪怪」的行銷方式，舉例來說，與電視劇《犀利人妻》的結合便是一例，劉明松說：「我們與編劇一起坐下來談論劇情，影像都不是很直接的，不會故意插個立牌或是標誌放在那邊，那樣太刻意了。」並且在劇中踢足球的片段，也是真的有這個足球比賽，然後自然而然的請演員來參與，扮演的都是很自己的角色，因為這些事情都是「很自然的真實發生著」。嘗試過所謂的奇奇怪怪的各種手法和活動，看起來像是遊戲般的在替產品作置入，卻也一方面創造了許多可能，而這些可能在Golf的信仰篇獲得極大的關注和能量之後，才有能力將這些能量經由這些可能來擴張出去。信仰，於是不僅只於佈道，「所有你能想到的，我們都做了」劉總笑著說。

廣告，不只是行銷，也是鞏固品牌的驕傲。福斯汽車的廣告，一直都是廣告界的教材，也是印地安納瓊斯的聖杯。於是這麼具有一致性的傳統，在這次台灣製造這樣的突破，是這麼令人注目也這麼成功。博上的熱情投入福斯汽車的「信仰篇」，也正是博上團隊自己，一次信仰熱情的展現。

本文改編自 廣告Adm 12月號/2011 第247期

（廣告Adm 1月號/2012 第248期）

文／素樸勛

設計唱片破千張，葛萊美獎三次入圍，但還是堅持做好每一張唱片。筆者踏入工作室，牆上魔岩唱片時期的封面，除了道盡經典之作，也揭示了那個時期的氛圍，記憶著一那個時代的轉折。消逝的音樂品牌，對比現下的種種掌聲和肯定，他說，只是運氣好而已，這不是過於矯情的謙虛，因為談起音樂和唱片，眼裡仍會發出光芒的熱情和堅持，正是蕭青陽成功的原因。

（由左至右，蕭青陽老師、素樸勛。由左至右，唱片「MATZKA」、「大支」、「BaLiwakes（巴力瓦格斯）」。）

卡帶的願望：站久就是你
「我不是有天份的人，但是我是一個很努力的人，因為自己好喜歡，所以能夠超越有天份的。」蕭青陽兒時經常在夜市卡帶攤位中尋找來自歐美的那種很酷的音樂封面，喜歡很美又有想法的東西，這樣的經驗促成了他在二十歲之前，就進入了這個他喜愛的行業。不過，跟兒時的想像不一樣，八零年代末、九零年代初，台灣所謂的音樂人，其實就是所謂的大明星，市場的操作在媒體上面，比較少聊到音樂、創作。

一直到千禧年這個轉捩點，很多地下搖滾，日本、韓國、西方的一些重金屬，龐克或是民謠、Basa Nova都出來了，新生代也開始去展現音樂的多元化，蕭青陽說：「這個時候我做起唱片來就覺得有比較舒緩一些，不是在反駁明星不好，而在我覺得在明星這一種操作之外，還有好多好多種。」

(工作室熱鬧的一角)

故事說不完：不只是明星

設計，不是一件很容易說的故事，設計背後的故事，不僅給了設計深度與生命，也讓聽故事、看設計的人著迷。除了明星，蕭青陽將設計與各種故事結合，並認為這是種使命和力量，這就是為何他的設計，特別是《故事島》會有這麼濃厚的台灣元素和故事，無論是主流還是非主流，他都不在意，即使是沒有很高報酬的案子，他也當作是花錢買創作的自由。從南投信義鄉的羅娜國小原聲兒童合唱團、卑南音樂之父「陸森寶」的西方音樂薰陶表現在《BaLiwakes（巴力瓦格斯）》的唱片設計元素，到新公園的紙飛機先生龔彬智的故事，戲稱自己山上到海邊的故事都要講，把持「表象之外更有價值」的精神，因為「故事島之前23年都做明星，做了一千張唱片，總要作一次自由創作的事情，這次我一定要得逞。」最後他終於得逞了…..

本篇改編節錄自《廣告Adm 1月號/2012 第248期》

（跟《動腦雜誌》是好朋友的《廣告adm》總是不分開）

( Serbuan maut, 2011 )

文／素樸勛
《全面突襲》中，SWAT攻堅變火拼，毒蟲喪屍般湧出，氣氛壓迫。拳腳源自於印尼傳統武術的根基，有短兵相接、關節技、兵器運用，所以死法繽紛。無論是場景調度還是「武」碼（Choreography）的安排都藝術般的呈現，暴力美學根本不足描述，搭配到位電音快板，應該是鑽研暴力藝術兼具娛樂呈現的世俗爽片。

異國風情
要不是因為美國電影強佔海馬迴的緣故，以為一開始的亞洲臉孔，只是好萊塢的二線反派。以為只是會比主角早死一點，有著比英雄遜色許多的身手。殊不知，這樣硬蕊(Hardcore)的拳腳，豈是好萊塢的鋼絲與效果可以比擬。不是美國電影，所以也沒有美國英雄，沒有英雄，只有一塊塊堆砌的恐懼。

援助與槍枝。雅加達的犯罪高樓，在貪污高層的設定之下，使得後援被斷絕，孤立了SWAT小組員，也讓一場攻堅，變成了生存的掙扎。而毒蟲與毒鬼，就變成殭屍一般的失心瘋。全然日本漫畫般的喪屍設定，聽從BOSS指示，十分恐懼。

貪污雖然是發展中國家極愛書寫的議題，但在這裡不是什麼社會批判的重點，槍枝也是。槍與拳腳的爭議，被一個喜愛以拳腳虐殺敵人傲慢魔頭出格定音，當然因為恐懼而狂扣板機的菜鳥們，當然很快就沒有了子彈，拳腳以及各種兵器、死法於是就很合理了。

空間幽閉
座落在明亮城市的水泥大樓，沒有日照的室內天井，成為幽閉的空間。而癮頭不小的住戶，為了不用繳房租殘忍屠警。在一層一層的空間中，既密閉，又藏污納垢。在精心的場景中，有一段打鬥而不小心破門而入的電音房，在一連串的追逐與屠殺中，帶點黑色幽默。

除帥氣主角 Iko Uwais 、飾演瘋狗哥(Mad dog)的 Yayan Ruhian ，兩人同時擔任武術指導（fight choreographer），是電影的靈魂。瘋狗哥現實中曾經參與九零年代初期，印尼特勤隊的訓練。黑色色調也是全片主軸，高潮迭起：從優勢警力，喪屍般出籠，密閉空間被夾擊，撤退、突圍，窮鼠囓貍的反擊。於是毫無冷場，痛覺亦然。

電音直逼美國《少女殺手的奇幻旅程》，武打挑戰量產無腦行運電影的香港地位，東南亞口味威脅《拳霸》，武器多樣直逼韓國《原罪犯》，器械營造氣氛直逼《險路勿近》，印尼《全面突襲》將顛覆所有花拳繡腿。

閱讀素樸勛：

血紅文明與殺戮《少女殺手的奇幻旅程》和絕叫的電音元素

韓式人性實驗室《原罪犯》（oldboy）

哭聲寓言社會批判《追擊者》

 
（elles, 2011）

文／素樸勛
暨《愛情對白》之後，茱麗葉畢諾許( Juliette Binoche )又推出《裸色告白》。夫妻之間的你來我往如《愛情對白》，世代之間的愛與無力如同蘇非瑪索的《巴黎LOL》。

《裸色告白》將受訪對象撥開檢視，面對訪問者內心，也因為過於透徹的檢視而觸發。於是在不斷的做菜、料理的赤手觸感與食材當中，忍不住躺在廁所地上讓雙手沾滿自己的氣味。茱麗葉畢諾許的自覺與家庭掙扎，在進入少女眾多故事生命裡的轉念或說是自覺，而同時觸發。無論是女體的，或是對尋芳客們的想像，想像他們是不是正常的男人，有沒有疾病。其實都是從一個有先入角度的訪談開始，而這樣的觀點隨著《裸色告白》的故事鋪成，不僅顛覆「妓女」，也顛覆「嫖客」，以及其所代表無論是歡愉還是醜惡的文字符號。

青少年：妳看妳都濕了吧
茱麗葉畢諾許飾演專欄作家，叫做 Anne。為了採訪，甚至介入受訪對象，與自己的家庭生活，是想像、是現實，沒有交待。而女性的自覺與蒙蔽，與嫖客角色的迷人與醜惡同時表現，嘗試描出真實的、不偏頗的「援交故事解剖」。這樣血淋淋的解剖內心，或是面對這些援交天使的內心和記憶，當然是殘酷的，也免不了，多些行話的穿插。在一場訪談中，法國褐髮女孩 Charlotte 說出一樣都是讀書人，一樣都是正常人，但卻會做出不一樣的事情。這是她這個年紀對於男人的體會。於是她又說了「妳這個小賤人」、「很喜歡被幹吧」這樣的字句，從一個美麗的法國少女口中脫出。是的，她正在描述那些，那些「話很多的男人」。她又說：「妳看妳都濕了吧」，此時 Anne 有點傻眼，說：「我嗎？」

於是身份的錯位，以及雙關語的對話，使得「自覺」與有距離的「採訪」交錯，成為一個瞬間的事情。

 （褐髮少女 Anaïs Demoustier 飾演 Charlotte ）

家庭：我想為我們作一件事
面對男人，Anne 聽到的那些男人，個性、輪廓、外表，想像起來各式各樣。有溫柔有殘暴，有貼心有脆弱。縱使如此，採訪完，她必須回家面對老公以及小孩。在《裸色告白》一開始的故事副軸，就點出了他要替丈夫的同事作晚餐，於是這樣一個替丈夫服務還有女權的牴觸，是不是有矛盾存在的疑問，卻是由一個男性所提出的。 Anne 說道：「不談女權主義嗎？那我一整天這麼辛苦做菜是怎麼一回事？」於是伴隨著法國人愛料理的天性，還有「白酒燉雞」在電影裡自成一格的文本裡所隱含的意義。用料理的過程以及處理食材的優雅以及驚悚，帶出有危機的夫妻關係，最終，在老公最後的靦腆回應之後，故事最末以開放結局劃上句點。

男人的內心世界，或是性幻想獨白，在《裸色告白》都無任何發聲的空間，他們都透過女孩／女人來表達。觀影人須知，無論露骨的性愛畫面在電影裡多令人感到興奮，或是太過野性的讓人感到不安。這個投入「深度」的採訪與告白，本來就無意要妳全身而退。

延伸閱讀素樸勛：

《巴黎LOL》吾女生澀戀愛觀 老媽遲到性自覺

《巴黎小情人》-年輕女孩是易碎的，你必須尊重她們。

《愛情對白》假裝多好

《O先生的極樂旅程》性愛鬼魂的最終遊盪

 你說得不到讓我更想要《烈火情人》

(Tinker Tailor Soldier Spy, 2011) 

文／素樸勛

蓋瑞歐德曼
Gary Oldman 老了，老的有稜有角，氣勢逼人。經過《終極追殺令》(Léon, 1994)、《第五元素》(The Fifth Element, 1997)、《空軍一號》（Air Force One, 1997）的惡質角色讓人印象深刻，三分邪氣、七分變態。這樣的角色通常不是主角或是英雄，卻是最搶戲的點綴。 在《諜影行動》中，與許多大腕一同出演，此時此刻不再是點綴的蓋瑞歐德曼，沒有被眾人稀釋他的光芒。演繹英國調查機構「圓場」的幹員角色，斡旋在危險的情報，是忠心，是呆板，還是霸氣逼人？ 情緒的鋪陳，甚至回憶「打火機」的戲碼，都由蓋瑞歐德曼獨角呈現，於是同時在一部電影裡，他同時完美詮釋了深沈的霸氣，又有精妙的心機。

飾演 史坦，在《終極追殺令》(Léon, 1994)

他是表演學院出身，同時劇本也替他增色不少，在電影最末，許多故事線條都清晰可見。舉一說來，蓋瑞歐德曼所飾演的「史邁利」，卻沒有把俄國女子已死的訊息告訴他的夥伴，而是有計謀的為了完成任務，讓其夥伴沾沾自喜沉醉在「要把她救回來」的氛圍中去行動。舉二說來，最後一顆鏡頭的拉褲腳的皺摺，然後緩緩坐下。這樣一個小動作卻道盡了所有的算計與追逐，搭配 Julio Iglesias 的音樂，滿是權謀，實在過癮。

飾演 左格，在《第五元素》(The Fifth Element, 1997)
 

飾演蘇聯劫機領袖 Egor 與 哈里遜福特 於《空軍一號》（Air Force One, 1997）

復古英國風
復古英國風，一部分復刻舊英國，一部分復刻恐共的西方症頭。恐懼共產黨不是病，只是犯起來卻會害死人。另一部智利電影《周末魘狂熱》(2010明日影展譯作：殺手夜狂熱)就是在描寫這個時局的政治寓言，南美洲的禿鷹行動，是南錐國家的悲哀，當時參與推翻南美民選文人共產黨政權的勾當，英國柴契爾與美國雷根都有份。於是在那個年代的復古潮流，流行為了恐懼，為了恐共的國家政策，而不惜犧牲掉了人權、不干預內政的其他國家價值。醜惡與對共產國際的恐懼，正是在那個兩極世界體系中，最真實的英國面貌，英國夾在美蘇兩極中，卻也只能無力的隨著大哥們起舞.....。

霸氣凌人的低調
《諜影行動》色調暗黃，正如諸多線索不願意明顯示人一般，電影中許多的藝術鏡頭，無聲無旁白，正是在交待一些最細微的線索。這些堆砌出來的線索，還有情報體系的外行與內鬥，臥底與復仇，讓英文片名Tinker Tailor Soldier Spy ，這出自英國童謠歌詞的字句的簡單和戲謔，正說明了無論國家多偉大，總是會有為人棋卒沒有自我能動性的悲哀。

   
（奧斯卡影帝柯林佛斯Colin Firth繼《王者之聲》後又一出演） 

延伸閱讀素樸勛：

大美國大笨蛋-《布萊德彼特之即刻毀滅》

制度的自體過敏-史丹利庫柏力克的《奇愛博士》

哲學播電影 導演安東尼奧尼系列：「 慾海含羞花 Eclisse, L' (1962) 」

2009台北電影節：非cult片的極右政治批判《周末魘狂熱》(2010明日影展譯作：殺手夜狂熱)

Modify @ 四月六號，加入哈里遜福特之空軍一號。

(Devil Inside, 2012)

文／素樸勛

《心魔》是典型且創新的驅魔電影，特殊之處有二。一則以偽紀錄片方式拍攝，二則有人類影史首次的行動驅魔車。

典型公式

一、與《大法師》（The Exorcist, 1973）系列一般有扭曲的人體極限測試，那些不可思議的肢體凹折，都是真實的。但是不是真實的恐怖中邪，而是由軟骨功的職業表演老師所擔任演出，在視覺上絕對震撼。

二、與《藏身處》(Shelter, 2011)一般有「科學」與「宗教」的論戰，而那些鐵齒的人，無論是任何一方，以及過於勇敢、過於軟弱的人，都會先後的受到「魔鬼的眷顧」。

三、瘋狂咒罵。最經典的公式，具有戲劇張力的咒罵，因為在神職人員面前罵出褻瀆字眼，無論是挑起性慾的、人身攻擊的、褻瀆宗教的，在電影院裡總是會帶出一片笑聲，因為咒罵對比於嚴肅的驅魔師父的喃喃念經，反差真是太大了，無論任何時代都張力十足。

創新手法

一、偽紀錄片。在《鬼入鏡3》(Paranormal Activity 3, 2011)中靜止鏡頭太長，加上惱人的等待，是「偽家庭錄影帶」的詭計，為此大嚇無所設防的觀影人。雖要裝作是紀錄片，在本片《心魔》中，演員的演技過於油滑、誇張，暴露出了「偽紀錄片」的詭計，所以入戲太深反而嚇不死人。紀錄片的角度，試圖營造一個無辜的、第三方的視角，以第一人稱進入一個故事，這個第一人稱視角，當然有很多輔助花樣，譬如車上監視器、天花板監視器、對著攝影機訴說心情的人兒等等。

二、私人驅魔隊。驅魔這檔事兒，不再受到偉大的／德高望重的神父所壟斷，而相對於「正統」來私自進行，這樣的叛逆企圖，其實在電影一開始的字幕就在協助進行了。就像是私人補習班之於正統學院教育一般的存在。私人驅魔隊，是否比之正統的學院派驅魔來得更為有效？在電影裡，影史首次行動驅魔車的末班旅程，剛好也作為電影的爆破結局，正是這個大栽問的答案！

延伸閱讀素樸勛：

《鬼入鏡3》預告片是導演詭計

《藏身處》你不信祂就吃土

《雙寶鬥惡魔》一開始就誤會大了叢林殘殺YA片

《孤兒怨》無鬼遮眼更害怕-恐怖片的聲音與甜蜜

(Always, 2011)

文／素樸勛
這一切，都要從韓國這一隻MV開始說起。由女子團體kiss於2001年所推出的單曲《我是女人》 ("韓文: 여자 이니까", "Because I'm a Girl")， 這支音樂錄影帶不僅是病毒式行銷的在網路間瘋狂傳播，也是韓國電影、影像工業的濃縮，也是韓式慣常運用的犧牲式愛情題材。
 

電影《看不見的愛》將MV故事發展到極致，可以用工業化的標準來形容。因為以犧牲式的愛情故事表現，在許多電影或是韓國電視劇都已出現過，而唯一能夠超越自己的，就是在細節以及演員表演上作提昇，這些具有好萊塢娛樂元素的養成，也是韓國電影的成功原因。

不羈演技志燮哥
不羈哥蘇志燮，作為一個性格男星，很容易就會被拿來與當代的台灣電影《電哪吒》的藍正龍比，在電哪吒裡的藍正龍個性一昧的反對叛逆，又因為對女主角謝欣穎的情緒太過於積極，而使得男主角沒有情緒。在不羈方面，又空有不羈外表，確實在電影裡被父親給「誤會販毒」，在《電哪吒》中小馬所飾演的猴子都要比他要壞。一個男人的過去不夠壞、不夠殘，於是使得「浪子回頭金不換」的力道減弱。《看不見的愛》中蘇志燮的過去是有跡可尋的，可以從他的日常單調職業看出。單調的職業，讓他的愛情更為難得，也讓他與過去壞事幹盡的自己作切割，在電影敘事來說，這就是對比與張力的呈現。在這方面，蘇志燮飾演的不僅僅只有帥氣，其細膩的演技與洗練過的眼神與身材，都讓他作為亞洲電影大腕一點也不為過。

感情回憶用符號
《看不見的愛》不僅是過場，甚至每一個場景都細心處理，無論是打鬥過程，或是女主角韓孝珠在電影中的表現，讓故事的進入感更為深刻。各種微小元素與符號被巧妙運用，無論是花、狗、石頭、烏龜，善於用物來描繪感情的導演，不以流俗的剪影片段來提醒觀眾回憶。舉反例說來，台日合資拍攝的《愛你一萬年》中的兩人回憶片段，不過是兩人之前的戲重新剪接湊秒數而已，即使鏡位也一模一樣。

電影的工業標準不是一蹴可幾，故事並不令人驚艷的《看不見的愛》卻是表現得令人驚艷！其掌握了各種催情元素，是一部非常成功的情緒電影，演員到位，情節緊扣，各種小支線的發展與鋪陳，直教人深深進入電影要描寫的愛情。韓國電影的成就，在這樣的愛情小品中可以看出功力，台灣電影，不應該繼續沉溺於觀眾對演技品味的低估，成就工業，不該自外於人。

延伸閱讀素樸勛：

破解驅魔系列《心魔》的公式與創新--入場前必備護身符（誤） 

商業與熱血，殺手、那些年、奇華月餅。 

祭司、情婦、我，《畢卡索展》2011年的動物性荒涼與矯情 

（The Lady, 2011）

文／素樸勛
事情發生之前，身為英國媳婦，翁山蘇姬原本是個定居在英國牛津的家庭主婦，雖然不是《鐵娘子：堅固柔情》中自小就立定志向的雜貨店之女，但是為了生病的母親，1988年回緬甸探望，時逢當年8月8日的8888流血事件，而決定留在緬甸。同樣以家庭情愫切入電影的《翁山蘇姬：以愛之名》、《鐵娘子：堅固柔情》，一東一西，以不同的柔軟與霸氣道出女性政治家的故事，其男性配偶的角色也同時被巧妙書寫。

將軍之女
翁山蘇姬是將軍之女，其父翁山，被暗殺身亡，是為緬甸的國父。二戰期間，曾經與日本一起攻打英屬緬甸，曾經見過日本天皇的翁山，全然是因為日本答應保證緬甸獨立。據悉，日本在英帕爾戰役（Battle of Imphal，日軍代號：ウ號作戰）輸給英國，因為這個事件，翁山為了緬甸的獨立可能，也為了緬甸的國家利益，而倒戈投向英國。日本慘敗的故事，在電影《緬甸的豎琴》（The Burma's Harp, 1956）中以角色上兵水島為角色述說，電影表達強大的反戰思想，以及該電影日本導演市川崑（Kon Ichikawa）的人道關懷，有趣的是，貫穿《緬甸的豎琴》電影的「音樂」符號，在《翁山蘇姬：以愛之名》中也做了有趣的點綴，似乎在極大壓力的戰亂和壓迫之下，精神的上層建築是更為必要。

翁山蘇姬被軟禁期間，在電影中丈夫 Michael Aris 對於英國政府請對於緬甸施壓，希望有所轉機。無奈的是，基於國家利益本位，得到了「如果對緬甸實施制裁，會得利北京」的國家回應。無論是1944年翁山將軍在日、英之間為了國家利益而作選擇，又或是90年代英國不願為了翁山蘇姬議題而在國際上讓中國撿便宜，皆為國際社會中現實的權力考量。

（日本名導市川崑的電影《緬甸的豎琴》,The Burmese Harp, 1956年。表達強烈反戰關懷。）

倒置國旗
電影中出現的極似中華民國的國旗，是1974年1月3日啟用的「緬甸社會主義共和國聯邦」的國旗。2010年，緬甸更改國旗與國徽，除了回歸1948年以前的緬甸三色旗之外，也象徵對國家和平與發展委員會（軍人政府）告別。電影中倒置的國旗表達對於黨國一體的抗議，於是電影中場景的區別，英國國旗、正掛的緬甸國旗、倒置的緬甸國旗都可以看出空間的權力與訴求，但當代的緬甸三色旗在電影中並無被提及。

（楊紫瓊與導演盧貝松）

盧貝松的電影設定
1990年的選舉大勝之後，但是選舉結果被軍政府認無效，前前後後，翁山蘇姬21年中有15年都是被軍政府軟禁的。軟禁期間，不能與支持者見面，雖有機會可以出境緬甸到英國與家人相聚，但是軍政府一定不會讓她再度入境。還有不能重複撥打的英國大使館電話，是因為被竊聽、被限制。除了這些設定，好書寫這以親情為主軸「以愛之名」的故事，在電影中軍政府的顢頇、無能，也讓戲謔的軍人，帶著魯莽、愚笨、殘暴表現出來。這樣將角色過於戲劇化呈現，是盧貝松慣常使用的負面角色設定。特別是1988年8月26日的演說場景重建，楊紫瓊以苦練的緬甸語，忠實呈現演說內容，這不啻是對於這個角色的深度表現，更是這部電影對翁山蘇姬的精神呈現，在中文片名中是《翁山蘇姬：以愛之名》，「以愛之名」正是以親情為重的個人側寫。翁山蘇姬的故事是不可能說完，尤其是這麼多層面的事件，無論作為母親、政治家、和平主義者，抑或是國母。在翁山蘇姬仍然對個世界有這麼強大影響力的時候，電影上映之際，其正好也在為2012年4月1日舉行國會補選，進行造勢活動，填補國會48席的缺額。

(文字化為力量的一場戲)

翁山蘇姬的名言中，1997年的「Please Use Your Liberty to Promote Ours」意旨「請用你們的自由來推動我們的自由」，正是希望國際社會的道德援助能夠促進緬甸的民主，而不要只流於國際權力競逐的現實考量。盧貝松在電影裡替這句話打上聚光燈，無異正是這部電影的精神，除了書寫其故事外，更要自由世界的人們面對這世界上的努力與苦難之際，不要吝嗇您關注的眼光。

參考資料
「國旗與緬甸政治」
http://zh.wikipedia.org/wiki/%E7%BF%81%E5%B1%B1%E8%98%87%E5%A7%AC

「翁山蘇姬2012年的選舉，大紀元。」http://www.epochtimes.com/b5/12/2/12/n3509864.htm%E7%B7%AC%E7%94%B8%E9%81%B8%E8%88%89%E6%AD%A3%E5%BC%8F%E9%96%8B%E8%B7%91-%E6%98%82%E5%B1%B1%E9%80%A0%E5%8B%A2%E8%90%AC%E4%BA%BA%E7%A9%BA%E5%B7%B7-

「Please Use Your Liberty to Promote Ours 的出處，維基。」
http://en.wikiquote.org/wiki/Aung_San_Suu_Kyi#Please_Use_Your_Liberty_to_Promote_Ours_.281997.29

文／素樸勛

九二一地震，是台灣共同的傷痛，這個舊傷口，有著新故事。根據真實事件改編的《生命花園》，由吳米森執導，講行動不便，失去雙腳的一個老實人，努力向上的故事。在實際的進入劇情之前，看起來這樣的設定很平凡，看起來，不就是勵志的歡喜戲碼嗎？

（除導演吳米森，卡司堅強，還有蔡振南，陸弈靜） 

得意施易男
接到角色之後，本以為可以享受著女友或是家人的推輪椅、服務，這部片輕鬆，似乎可以不用走路。但是真正拍攝之後，發覺用雙手作為唯一的移動方式，是非常的困難，也因此在磨輪椅輪子的過程中，手都長繭了，根本不像想像中的那樣吃力。但更重要的體會是，諸多生活環境、公共設施的無障礙空間的不足，還有體會殘疾人的辛苦。這樣的辛苦，對角色當然有幫助，導演吳米森刻意加重施易男的腿部負重，更加接近真實的情況，於是乎得意的施易男，吃足了苦頭，也為這齣戲，下足了紮實的功夫。

  

 
（ 男友與女友，《生命花園》辛苦的一對戀人，施易男、尹崇珍 ）

階級難跨越
小琪（尹崇珍飾）太過於亮眼了，於是在教養、家世、觀念的對比下，與水合哥（施易男飾）之間的愛情，於是變成為一種階級的差距，這樣的差距與困難，都在在使得兩人的愛情更加崎嶇難行，而九二一的事件，讓本來健康的水合受傷，這樣一來原本社會的階級差距，也變成了加上身體缺陷的肉體行為差距。於是乎，歡喜的戲碼，被許多人生功課緩緩鋪陳，有陰暗面，也有壞脾氣，有歡喜感恩，也有崩潰責備。

勵志的戲碼，要能夠鑽入角色中，才有辦法感動人，看起來大愛製作的企圖，可不只是要營造一派溫馨，於是更多關於人性挫折的真實情緒，即將躍上電視機。 

(The Descendants, 2011)

文／素樸勛
如泰倫斯馬力克《永生樹》，《繼承人生》的哲學觀點，不給定見，讓要折服人的小小觀點被顛覆，讓自以為的觀影人，片末會有小小慚愧。又如安東尼奧尼《情事》，《繼承人生》一開始就缺席的妻子，其性格與生活，在他人的對白、互動、怨懟中被慢慢塑造與堆砌。故事從步調熱帶卻緩慢的夏威夷群島開始說，家庭互動、對白極簡又精準，髒話咒罵卻是佔了好一部分，也就是因為這樣，家庭主人喬治克隆尼的情緒內斂，和溫吞壓抑，搭配可人 Shailene Woodley，成為觀影重點。

群島
夏威夷群島由十九個主要的島嶼及珊瑚礁所組成，如馬祖一樣，以一個地名為人所知，但是不太知道他們是散布群島組合的集合名詞。既為散落的島嶼，島與島的關係和距離，恰好可以用來形容電影中的家庭關係。這樣有點牽強或假借的意象形容，絕對不比「各自獨立卻又相互牽掛」的親人描寫來得深刻，因為，因為《繼承人生》前段的家庭書寫建立在髒話、叛逆、咒罵、裸露又天然的少女，這樣比什麼吟詩作唱都要來的強烈。

缺席
一開始，缺席的妻子，就像電影《情事》（L'Avventura, 1959）所描寫失蹤的女朋友一般，卻又列的主導他人的情緒，以及故事軸線、觀眾懸念，《繼承人生》缺席的妻子，被其他角色堆砌出來，也堆砌了丈夫，在這段單調婚姻、工作狂的父親角色。這樣的缺席，當然可以與將要失控的家庭扯上關係，承接丈夫個性保守壓抑，怕事內斂的應對，還有最後的爆發，於是在演技上必須添加更多層次。

席德
Sid, 小席，無論你如何稱呼他，觀影者都可以看得出來，他是一個被刻意添加的角色，這樣一個角色是一個奇妙的指標。這樣的指標不只測試一個人的氣度，也是導演擺動價值觀點的槓桿。同樣的價值塑造、顛覆，也出現在片末陳述加害者抑或被害者的立場與觀點，筆者坦白，經過在片末的導演巧妙安排，讓筆者對於曾經對那些角色抱持那樣的想法，感到羞愧。

（飾演喬治克隆尼的女兒 Shailene Woodley）

 
(Young Goethe In Love, Goethe! ,2010)

文／素樸勛

歌德的浪漫，表現在其詩學、戲劇、科學的造詣上，愛起人來卻一塌糊塗。《少年歌德的煩惱》陳說歌德與夏洛特的愛情故事，是那麼的文學又那樣的悲傷，這在動盪的中世紀，更顯時代兒女的相戀，以及無法單單為了愛而義無反顧的悲哀。歌德出生在德意志神聖羅馬帝國的法蘭克福，與今日的德國版圖不同，那是個動盪的年代，無論各式各樣的政治、經濟關係，皆是那麼的不穩定。而感情故事也是逃不了這個宿命。經典書籍《少年維特的煩惱》就是在這樣的背景中被書寫出來。

羅曼蒂克的悲劇
電影從年輕的風流倜儻說起，當時歌德的創作浪漫過於自溺與反叛，不被當時所接受。如同所有創作者的愛與愁一般，強說愁的情愛與愛戀，總是要經過一番痛徹的洗練，與Lotte Buff （Charlotte Sophie Henriette）的戀愛與離別之後，使他愉悅也沉淪。和所有的悲劇作者一樣，這樣極為痛楚的過程，迸發了創作，在《少年歌德的煩惱》電影中，這樣悲喜的交互過程，由男主角 Alexander Fehling出演，鼻尖內勾的輪廓，不羈亦透漏教養的濃厚薰陶，反差極大的對愛情執著，更是如同失去了全世界一般的痴傻。電影的簡單改寫，使得兩人的隱晦曖昧迸發，相對比最初壓抑的意表，成為了表達與Lotte Buff 之間愛戀的本片中之最美場景：馬蹄達達的交錯與一親芳澤的渴望，交纏之後的濕身與一身泥土氣味，卻都渾然不知這些只是悲劇的鋪陳。故事的剪接過場，力道精準、斷句設計，替忘記書本故事的讀者，也替觀影人複習了歌德是否與會與維特一樣自了的擔憂。

紙紮戲劇：雷辛的《艾米莉亞．加洛帝》
維特，是歌德筆下人物。多少帶著點歌德自己的叛逆，而愛情也是歌德生命、創作的泉源，這一點非常的畢卡索。Lotte Buff 正是「女子無才便是德」的寫照，這句話的意思是女子有才有能，卻要謙虛內斂自恃無才無能，因為她安於鄉間照料弟妹的兒女，同時愛詩愛文字，又埋沒一副好歌喉，這樣的女子教人不得不愛。而貫穿全劇的「愛情詰問」出現在兩個男人身上，這個令人痴迷的劇作詰問，答案正是德國啟蒙時期喜劇、悲劇、哲理劇作家雷辛（Gotthold Ephraim Lessing）的平民悲劇《艾米莉亞．加洛帝》（Emilia Galotti）。

電影落幕，歌德終其一生都在戀愛，電影《少年歌德的煩惱》只說了少年歌德風迷歐洲的著作《少年維特的煩惱》的故事，晚年仍有《浮士德》、《馬倫巴悲歌》、詩集《西東詩集》等作品，藉由本片亦可以在電影之外重新回顧德意志神聖羅馬帝國、普魯士、德國統一，讓影癡複習等等重要德意志精神。

 
（Touching Home, 2008）

文／素樸勛
逐、夢、奇、蹟，樸實的四個字構成的電影中文片名，幾乎沒有任何的亮點，但是這樣的樸實，正確實的描寫了電影的獨立製作精神。

《逐夢奇蹟》是一部簡單電影，但是描寫人物的精神卻很不凡，有四屆奧斯卡影帝提名的艾德哈里斯，在片中飾演父親，樸實的演繹糟老頭的黃昏，這圍繞熱血青春對抗殘酷年少的棒球夢，是改編自兩個雙胞胎兒子對於其父親，對原本不值得一提的老頭生命的致敬。所以電影之外與其背後的精神，同樣有踏實的力道。影片之外，米勒兄弟將這樣的拍攝過程，寫成了一本書《不幫忙就閃開：爸爸電影事件簿》，道盡電影工作者的辛酸，還有追求投資、劇本、夢想的過程。精彩程度，直逼電影本身，於是《逐夢奇蹟》曾於2008年於舊金山影展、2009年Starz Denver影展放映，獲得2009年第四屆美國奧馬哈電影節(OMAHA FILM FESTIVAL)「觀眾票選獎」。

米勒兄弟
人皆有夢！沒有大學學歷、沒有電影拍攝經驗、沒有半毛錢、也沒有任何電影人脈！無論現實生活中與電影中，米勒兄弟（Logan and Noah Miller）在兒時是熱血野球男，卻在追夢的同時負擔著父親的拖累，電影描寫問題親人對家庭帶來的痛苦，既陰鬱卻又有著正面的書寫。《逐夢奇蹟》對家庭的描寫，異於東方的儒家電影慣常的溫暖父愛忽驟逝，充滿了哭聲以及眼淚。經典的哭聲之作，首推造作劇情的香港電影《歲月神偷》。米勒兄弟答應過父親，要書寫他的故事，但是這個使人親愛，又使人憎惡的酒鬼、賭鬼，離群住在拖車上。在現實生活中其生命根本不值一提，而將其故事流傳成電影，以負面的方式訴說一種堅持精神的存在，不流於矯揉造作。而在片中亦飾演兄弟的「米勒兄弟」，除了導演、劇本之外，也以自己的生命來飾演這樣的電影角色。

老爸玩殘
老爸的自我玩殘，無非是酗酒以及好賭這樣的不變邏輯。而一個家庭的問題成員，對於家庭來說是一個必須要忍痛面對的存在，割捨不下，一方面又使人痛苦。電影描寫這樣的掙扎與無奈，在親情面前，這樣的無奈通常是黑色的，在剝削電影的表現中，通常是黯淡無光的。在《逐夢奇蹟》中，在其黯淡的描寫過程中，時不時的有幾絲希望，這樣的希望也在兄弟之間的「內部矛盾」中表露，這樣並無將玩殘的老爸的價值否定，開放的詮釋自我玩殘的老爸，提供普羅大眾對社會邊緣哥，一種不一樣的角度。最為讓筆者映像深刻，是穿著鬆垮內褲的糟老頭，一邊換褲子，一邊只剩下一張嘴的在臭屁，這樣的簡單片段卻深刻到了筆者的生活經驗所構成的心坎裡，想要說「大家心中都有一個糟老頭」，卻也好希望事實上並是不如此，糟老頭不要到處都是才好。

 

 
(恋の罪, Guilty of Romance, 2011)

文／素樸勛

園子溫
大學並沒有完成學業，隨即開始創作具有社會性批判的詩集。對於社會的深刻觀察正是他創作的來源，受邀高雄電影節，他表示「變態有變態的理由，這也是吸引我拍電影的動力」，於是乎，《戀之罪》充斥著以身體來說故事的手法，不僅止於此，以身體做為復仇與快慰人心的手段。這樣的片段被視為變態，在與整體片段脫節說來也是成立的。不認識不知道哩？你絕對看過園子溫，在他的《自殺俱樂部, 2002》的片段，一群女學生排排站躍下鐵軌的鏡頭，在電影之外傳遍了網路世界，當然你願意點開來的話。今年(2012年)威尼斯影展唯一日本競賽片《不道德的秘密》與本次《戀之罪》都是值得討論的電影，但在類型上卻是有相當大的不同，感受亦如是，可以見得，其能夠書寫範圍是不被約束的。

(2009年《自殺俱樂部》香港亞洲電影節的宣傳照) 

殺戮是不是取巧
以殺戮來作為引子，在商業上就是一項很誘人的元素，但是看似以殺戮包裝的犯罪事件，卻有著人心暗湧的另種盤算和掙扎，在導演用色調斑斕的描繪的背後，卻有著人生感情的黑白。這樣既為斑斕又斑駁，既又亮麗又骯髒的布置，似乎以哲學的高度在講述身體／肉體的故事／冒險，並沒有對道德的價值先入的定見。但是被吸引目光的不只是殘破的肢體，更為殘破的，是那如公廁布娃娃的價值觀，還有冰清玉潔信仰的崩毀。

純潔卻又色彩炫目
對於全然的純潔的喜好，可以說是一種偏執。當這樣的偏執成為了宗教，甚至是一種如同十字軍的反應，對純潔的贊同於是矛盾的建立在各種骯髒的手段之下。故事表達出的感覺，仍然是一種價值觀的二元對立，是新舊價值間的拉扯與叛逆，而叛逆最終也被另外一種價值給吞噬。純潔的符號，在故事的最初賢淑的轟炸下，表達了慣常日本女性的家中性別權力互動的一景，那種被壓抑的美，卻是在旗袍下許多女人與男人終其一生追尋的對象與形象。

  
(「沒有愛，就要跟他收錢。懂了嗎？」) 

非說教日本溫馨片
與日本電影的典型不相同，導演作品本身調性的來去也非常大。《戀之罪》非道德主義，強加於人某種大我意識。非角色偶像，面對著鏡頭賣甕偶像青春。僅就故事而言，可以說是庸俗的社會事件改編，但經由其批判力道還有導演對社會的觀察，加上美學的色彩調度，說故事的方式有時誇張，卻有時陰沉的安靜。

 
（Puss in Boots, 2011） 

文／素樸勛
金剛狼、鞋貓劍客、殺手LEON這三人的共同特色昭然若揭，就是從經典跳出來的角色，其角色故事豐富有自成一格的格局，故事總監鮑伯培西凱帝表示：「我跟夢工廠動畫合作的第一部電影是《史瑞克2》，也是鞋貓劍客第一次出現在世人面前的《史瑞克》電影系列，所以說從2001年開始我就一直參與這個角色的發展，我感覺每個人馬上就心裡有數，他是一個超棒的角色，他應該擁有自己的一部電影。」而能不能讓這個角色獨挑大樑，讓他和其他電影一樣賺錢？（註一）

貓腔喵調-安東尼奧班德拉斯的異國風情

最具有異國情調的螢幕鴛鴦就屬 Salma Hayek 以及 Antonio Banderas 了。在他們的經典作 《英雄不流淚》中的默契還有墨西哥的危險氣息，非常符合《鞋貓劍客》的設定。英雄的基本配備怎能沒有美女相伴，既是「吸血貓」又是「大情聖」的，當然聲優由 Antonio 擔當演出這樣危險的傲慢，他慣常的壓低聲線，在威脅或是局勢緊張的時候特別明顯！
 

在調情的專長來說，鞋貓是絕不遜色的，火熱騷沙舞可以跳得讓貓咪也能發出吸引力，而異性間的情愫，也是故事情結中重要的元素。這方面的你來我往，相當適合情侶在戲院中欣賞，而「貓咪跳舞」有什麼賣點？就是那雙靴子和毛茸茸的黃色傢伙（ginger cat）可愛逗趣的扭動，尤其是追逐移動光點的英雄人物，可以想像這樣的反差。

傳說與童話故事

魔豆的傳說與蛋形人偶？傑克魔豆的傳說故事，關於豆籐長到天空的故事，看起來是童話故事，可是在《鞋貓劍客》中，將其做為一個你爭我奪的設定，並且在童話上，意欲顛覆既有的可愛，也是鞋貓本身形象反差的緣故，讓兄弟情的戲碼也滲入其中。所以這樣的混搭成人童話，其實還是差強適合小孩觀看的，因為童話，從來都不是兒童自己書寫的啊。

   
（卵蛋哥） 

（Q手小姐）

（註1）關於經典衍伸的角色的例子：

• 《終極追殺令》The Professional from 《霹靂煞》La Femme Nikita (1991)
• 《魔蠍大帝》The Scorpion King from 《神鬼傳奇2》The Mummy Returns (2001)
• 《X戰警:金剛狼》 Wolverine from  《X戰警》X-Men (2000)
• 《鞋貓劍客》 Puss from《史瑞克2》 Shrek2 (2004)

（Tokyo Koen, 2011）

文／素樸勛
這是關於攝影師光司（三浦春馬演出）的故事，融合了都市的溫暖焦慮，幾個平凡故事交錯的是不平凡的情感發洩，如果原本小說被改編成奇幻電影也不為過，因為謎樣的美麗人妻、蠟黃的室友、主動的小妹、美麗的阿姐，會組成怎樣的都市焦慮好讓公園的漫步來緩解呢？


文學電影
在電影裡表現的文學，試圖在思想上做文章，故事主人翁光司對於生活的掙扎和不怎麼在意的愛情故事，導演將文學化作影像，敘事步調就像悠閒地在公園漫步，不經意的提及關於公園的詮釋，譬如觀星者提出宇宙人要如何理解東京的公園說法，譬如說牙醫先生酒醉時對於公園的舒服體會，都是藏在電影中對於公園的溫暖詮釋。


緩慢焦慮
這個故事有其懸疑，當然如同出場人物一般，不需要自我介紹，而人與人之間的相對關係，沒看過文學版本的《東京公園》之前，人物是線索般慢慢被交代出來。所以認真的看倌會說：「阿！原來是這麼一回事啊。」謎樣的人妻、蠟黃的室友、跟屁的小妹，這些毫不起眼的日常故事，正是導演青山真治（Aoyama Sinji）對戲所提及的「故事看來十分簡單，但人物彼此的一眼瞬間，卻淋漓盡致地展現生存的意義。」而步調從容的讓觀影人在過程中漸漸理解，理解都會中的冷漠、關心、愛情，還有凝視的眼睛。


灼熱凝視
凝視，是《東京公園》中很重要的元素，光司作為一個即將成為的攝影師，其鏡頭的灼熱感，表現在「跟蹤」的過程中，被攝者等同於被窺視者偷偷摸摸，那種窺視與被窺視的關係，絕不容許被窺視者「直視」的存在，而到底知不知道拍攝者的存在，在故事中卻也是隱晦表達，讓兩造的互動表現有趣。

另外一次凝視的機會，卻是對自己的姊姊，那灼熱的帶有濃厚情感的凝視，使得被凝視的客體生理與心裡沸騰，有點霸道的光司，用他的鏡頭，某種程度進入了美麗姊姊的體內。這是第二次在故事中，以凝視作為敘事的高潮。


翹頭髮
總是巴著光司哥的富永妹（榮倉奈奈演出），總不服貼的翹頭髮，跟他的個性一樣調皮。從翹頭髮看來，這樣細膩的人物描繪，在小說中的設定想像，也不出如此。攝影凝視作為第三次敘事高潮，正是作在結尾，解謎般的完整了、或者說是療癒了故事。再一次，與導演交心，連咬一口紅豆大福都深刻的印象對話，小人物的細膩描繪，正是平凡故事中耐人尋味，值得細心觀察揣摩的電影片段。

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