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目前日期文章:201303 (6)

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GMX金曲論壇《音樂就是態度》 Orbis X Greddy X Arthur

城市展演空間的美麗與哀愁

 gmx

(2012年的金曲音樂節已落幕。而今年(2013年)這一項樂壇盛事,預計將在七月舉行)

 

文/素樸勛

LIVE HOUSE 的蛻變與成長,一路走來,留給我們的不只是只有酒精還有煙霧繚繞的HIGH歌,還有關於樂手培育的精神,社會接納的態度。於是LIVE HOUSE就默默的書寫了這個城市與每個樂迷的記憶,本次的GMX金曲論壇讓我們邀請音樂展演空間的一方霸主,談談這些空間故事的美麗與哀愁。

 

我搭上了兩千年的歌手解約潮

 

林正如 Greddy Lin (河岸留言創辦人)

 

音樂的多樣性在這幾年是比較自由的,這在兩千年前是沒有的,世界的潮流,在mp3潮流,載體的變革之後,LIVE HOUSE一直都在,但是在2000年前是沒有產值的。在台灣,數位產品的產值是佔總額的7%,LIVE HOUSE的產值有20%,這是不正確的,國外的狀況,兩個數值通常是反過來。LIVE HOUSE的意義,對樂團、對音樂人來說是一個自由發揮的平台,因為一個contain要讓大家聽到,一般的作法是要進唱片公司、發片。現在的好處是音樂人可以用自己的姿態,用自己的表達方式、自己的語彙去表達。我認為獨立音樂,不是種音樂型態,而是一種運動。試想,如果沒有了產業、商業機制,還要不要玩音樂?要,那就要運動。於是LIVE HOUSE呈現著重要的角色,在國外的重點城市如LA,當地的 LIVE HOUSE 保存了城市的展演紀錄,不是很大的空間,但是可以作四十年。現場都是這些經營者,我們瞭解最重要的是contain哪裡來,到了利物浦的經驗告訴我,數量是可以帶動質量的。

 

兩千年,剛好是一些歌手的解約潮,我搭著這個潮流開始思考一些問題。作音樂是很卑微的,與許多經營者的配合,例如餐廳,讓音樂人還可以看到台下的廚師在切牛排,這些經營者,有的靠音樂營利,有的靠酒水賺錢。早些日子,我就是這樣一直表演著,一直到921大地震的時候,所有的case都取消了,取消到隔年六月,於是我自己終於靜下來,開始可以作點事情。我在公館遊蕩,一個普通遊蕩的小伙子,走到米苔目的對面,那邊下去有個很奇妙的空間,有包廂,還可以泡茶,當時那的地方正在招租,於是與我心裡「我想要一個舞台」的想法一拍即合!

 

演出需要空間,音樂需要舞台。與表演一起成長,我看過台下三個人變成三百人的團。到了西門紅樓的時候,那個空間原本是肉販、菜販的市場設計,那我們還要作嗎?其實當時的我根本沒有選擇,還是做了。我認為產品的價值在於熱情有多少,這當中,教學尤其重要。我提及的過熱,是LIVE HOUSE的產值一直在增加,但是musician 在哪裡?更重要的一件工作,於是就是「人才的培育」了,這也是我一直在做的事情。

 

 

不要講SIZE,我們講風格與精神

 

傅鉛文 Orbis (這牆藝文展演空間 執行長)

 

這牆(THE WALL) 2003年成立,八年來,我們做了什麼?當你提到LIVE HOUSE,第一個就會先想到的就是PUB,同樣的,這樣的設想也會遇到公機關的查核,於是為了與公部門交手,THE WALL做了很多改變。首先我們申請的名稱,就是「這牆音藝文展演空間」,因為藝文兩個字,許多朋友會說沒有必要「藝文腔」,但是我的看法認為。把這樣的環境的感覺充新定調,讓更多人會進來,這是更重要的事情。這方面,除了改善舞台音響、技術規格之外,也培植我們的技術人員,在演出時間方面,也將開場提早至八點,並規定要在一定時間內結束,這方面也受到很多人的反彈,因為演出不就是要越晚越HIGH嗎?其實是為了要讓大學生趕捷運,讓來THE WALL看演出這一件事,並不代表是夜生活。也因為讓許多上班族不用排隊也可以購票,THE WALL除了是第一個採取電子售票的展演空間之外,也在網路上發布Google calendar的電子行事曆規劃,取代昔以前翻破報看演出行程的日子。也在菸害防治法頒布之前,我就已經發現不是所有人都跟我一樣習慣煙味,於是我花了很多錢做了空氣濾淨的工程。

 

演出內容方面,我在2006年就預定每一個月邀請一個外國團演出,一開始欲只要是外國人就好,於是乎這樣的規劃就開始賠錢,但是這樣的想法一直堅持,直到2011年就開始賺錢,這樣過程之中,也讓國外的演出者給我們帶來了很多的技術與觀念。我認為,音樂,必須是要在一個開放的市場才會成功,這也是我一直在做的事情。然而,政府單位卻始終對我們以奢侈稅的角度,對我們的營收課稅。這幾年來,有大財團也投入了展演空間的事業,以前,我們跟音樂人談得是尺寸,例如你要2000人的空間,我這裡不行,那就去TICC(台北國際會議中心)吧。現在這個世代,日本、美國的團隊都來台灣調查投資環境了,而國外的狀況是,可以有一個很小的店,就專門提供一種表演,可能光是搖滾,就有很多不同的搖滾專門店。我希望,未來台灣的LIVE HOUSE,可以不再講SIZE,而是講一種風格與精神的分眾。

 

 

我不敢拿出萬寶路,因為他們都抽白長壽

 

陳彥豪 Arthur Chen Legacy Taipei  總監)

 

80年代90年初,那的時候應該只有滾石跟飛碟這兩大音樂公司。那個年代,我最愛的兩個歌手,是黃鶯鶯跟張清芳,一直到了杭州南路某一個LIVE HOUSE之後,這個不可思議的機遇,才改變了我的一生。昏黃的燈光,煙霧瀰漫,我當時抽的是萬寶路淡菸,但我根本不敢拿出來,因為大家抽都是白長壽,我本身是聽Heavy Metal 以及Hard Rock 的,但是沒想到我那邊體驗了另外一種音樂型態,一種也是鬼吼鬼叫但卻是另一種的聲音。我認為, LIVE HOUSE是種生活風格,就像是要去電影院看電影一樣。一般的藝人發片,就是要宣傳,或是上節目玩遊戲,但LIVE HOUSE是一種新的平台,我認為歌手本身需要live演出的技能,才能符合他的身份地位。美國例如小賈斯丁以及小甜甜布蘭妮也都有固定的巡迴,並擁有演唱實力。我們不用排斥主流藝人,以及主流音樂,如果經過包裝的偶像也有演出實力的話,這是很有影響力的。

 

比起其他的展場,Legacy Taipei 是比較大的,沒有柱子。但相對來說,也是需要比較多營運成本,無論租金或是人力。就獲利而言,我們的酒水獲利是不到3%的,但是主管文化機關卻希望我們不要銷售酒類,如果配合的話,因為只佔3%的獲利,所以影響不大。但是,這是一種態度,譬如我覺得看電影一定要配爆米花一樣,所以我不願意。這個例子,表現出了政府單位對藝文展演空間的既定印象。也讓我想起好久以前的一段小故事,當時我曾經開過一個LIVE HOUSE,有黑白道的問題。黑道的問題,非常好解決,就跟大哥喝個幾杯酒,固定送上洋酒交個朋友就好。白道的問題卻難解決,他們說:「我允許我的轄區有女陪仕、色情按摩,因為我知道他們裡面在幹甚麼。但是我搞不清楚你們是在做什麼,每天晚上一到,一堆長頭髮的男生在這邊聚集....

 

Legacy Taipei 會邀小團體表演,但是經常賠錢的。我們在演出的團體上沒有限制,也沒有排斥主流,大部分是以主流的營收來平衡小眾的虧損。租金方面,華山裡面的這個地方,居然跟外面忠孝東路的租金一樣,這方面的政府作為,是可以再對我們友善一點的。如果不能賺大賠小,我們也就只能多請人氣高的任賢齊以及周湯豪了。

 

全文刊載於《廣告ADM》雜誌 253號

 

延伸閱讀:

《不老騎士》導演華天灝,和他的旋轉牧馬 

2012 GMX金曲音樂節 清水康彥與極限荷爾蒙 

2012 GMX金曲音樂節 金曲論壇《我電影中的音樂元素》徐文 X 陳駿霖  

8.8億的《賽德克巴萊》 以感動作行銷-專訪中影國際行銷總監 陳家怡、副理 黃綉惠 

 

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門縫2  

(門縫前的包裹, 2012)

文╱素樸勛


三合一導演
導演廖明毅曾在2011年在九把刀電影《那些年,我們一起追的女孩》中擔任執行導演和剪輯指導,並在多部電影擔任剪輯師,資歷非常豐富,但是自己的故事呢?

《門縫前的包裹》導演廖明毅,除了導戲還擔當編劇、剪接,而這樣的製作方式,也讓前製時間大為膨脹,幾乎占去了所有工作時間的三分之一。接下來便談這部電影:

復仇天使
復仇,需要細心醞釀。對觀影人來說,故事在轉捩點之前的鋪陳,都是背叛的養分,女演員鍾瑤懸疑開場,鏡頭的運動看似是伊藤潤二的故事,先把企圖隱藏在後。倒敘並回憶《門縫前的包裹》中兩個女生之間的感情和世界,一段看似永遠的友情,卻因為鋼琴男生的介入,變得既糾結又充滿眼淚以及嫉妒。然後故事交錯現下,復仇故事開展。

剪接媒材
故事倒著說,除了增添懸疑以及探查企圖的好奇心之外,也免不了要勾勒關鍵的小線索以及轉折畫面。或停格、或回憶,導演的剪接功力高超,擅長從一個相同的場景當中,描繪出各種具象、抽象的符號,並運用在電影時間不同軸線上的各片段中,她們有的是交錯鏡位,或是高速攝影。

後來才知道,原來這也是源自於導演自己的要求,在一場訪談他說:「我拍戲又很折磨人,每一場戲就有七顆鏡位要拍,一分鐘可能要拍70、80分鐘,我寧願多拍、留到剪接時有材料。」

所以材料充足是豐富剪接媒材的不二法門,而在《門縫前的包裹》中,眩目的剪接技法,讓您看到剪接如何主導電影敘事。



延伸閱讀素樸勛:

《愛情對白》假裝多好 

哲學播電影 導演安東尼奧尼系列:「 奇遇 L'avventura , (1960) 」 

第35屆金穗獎:內科手術般的家暴赤裸與衝擊,本屆金穗最殘酷癒療紀錄片《阿鼻》 

 

 

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night_train_to_lisbon_ver3  

(Night train To Lisbon, 2013)

文╱素樸勛

小說原作者帕斯卡梅西耶,本名彼得畢里。1944年出生於瑞士伯恩,目前是柏林自由大學的哲學教授,除教授身分之外,也是位小說家。 2004年問世的第三部小說《里斯本夜車》(Nachtzug nach Lissabon),被翻譯成十五國語言,全球銷量迄今超過200萬冊。小說被改編成電影之後,《里斯本夜車》經由片商詮釋,描繪成文學電影。但因其內含威權時期白色恐怖下之愛情故事描繪,不如說,這是威權葡萄牙時期的革命愛情故事,由推理、懸疑的方式被訴說。

 

妻子說我很無聊
其哲學與自我辯證的主人翁 Raimund (由Jeremy Irons 飾演),根本就是作者完美投射。故事中,Raimund 擔任教師的生活一成不變,卻在雨中相遇橋面的紅衣女子,更如安東尼奧尼(Michelangelo Antonioni)經典之作《奇遇》(L'avventura ,1960) ,關鍵女子在最初就缺席,但卻串起故事整體懸念。隱身在電影中的哲學辯證,除了在「生存」中求溫飽(如原本在瑞士的工作即將不保,人卻在葡萄牙遊盪解謎),抱怨前妻的不解風情之外,更對新情人提出哲學賣弄:「如果今天耶穌不是死在十字架上,而是用斷頭台處刑,那我們今天的教堂崇拜形象,將會是一座座斷頭台。」


威權之鬼不可迴避述說
《里斯本夜車》中的歷史背景,正是葡萄牙的「康乃馨革命」,雖然自筆者離開學校之後,對於歐史早就不理睬。根據維基百科:「與普通暴力革命相對比,葡萄牙的康乃馨革命者採用和平方式來達成目標,而沒有經過大規模的暴力衝突獲得成功。為紀念此日,葡萄牙把4月25日定為自由日。」

當然,葡萄牙彼役也是第三波民主化中重要的關鍵運動,並深深影響世界局勢。反思之下,台灣有多少關於戒嚴時期悲歌,有多少的黨外愛情故事,卻沒有被認真訴說,至少不是以悲情的方式。總有一天,我們也將要重新說關於我們的,那段關於民主化陣痛的愛情故事,在壓迫中、在鐵絲網前,在被逼供中開出來的花,不管是什麼顏色,都值得。我們可以有更多紀錄片如《牽阮的手》,更多劇情電影如《女朋友。男朋友》,要更多並正視曾經在這片土地上發生的故事。


英國文弱老生傑瑞米艾朗
《里斯本夜車》採以現代探查過去的觀點,由紅衣女子懸疑開場,讓威權時期的鬼魂以及抗爭時期的感情糾葛,全部重新由舊櫥窗裡搬出來,以推理般抽絲剝繭的方式。而由《蘿莉塔》、《烈火情人》男主擔任的傑瑞米艾朗(Jeremy Irons),詮釋文弱的單身男老師,那憂鬱的眼神,在哲學與文學中迷失,合理又瘋狂。

因為在《蘿莉塔》既為鰥夫,又悖德的戀上小女孩童,又在《烈火情人》中狂戀兒子老婆(茱麗葉畢諾許),歧愛的快感扭曲彷彿可以吞噬眼神。

映後的反思,卻比他的眼神來得強烈。台灣威權時期的抗爭故事,甚至其中的愛情,在至今雖然民主,主流卻不願意面對的那個部分,通常被避免訴說,被迴避談論,所以,鐵絲網總是開不出花。但是這個反思浮現上來的時候,《里斯本夜車》提醒了筆者想像中的片段是在黨國的眼下戀愛,也提醒了筆者想像中的旋律,是輪轉又壓抑的臺語聲調。

 

延伸閱讀素樸勛:

你說得不到讓我更想要《烈火情人》 

失「根」男與鬍子女《男生愛女身》 

《愛情對白》假裝多好 

《經典老爺車》政治身分的溫情妥協 

《女朋友。男朋友》素樸勛X楊雅喆 二之一 叛逆故事

《女朋友。男朋友》素樸勛X楊雅喆 二之二 入戲太深

哲學播電影 導演安東尼奧尼系列:「 奇遇 L'avventura , (1960) 」  

 

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阿鼻2  

(阿鼻, 2011)

 

文╱素樸勛

《阿鼻》是本屆金穗獎最殘酷,最寫實的紀錄片。電影呈現一個家庭的撕裂與衝突,導演本人用鏡頭敘事,也直接進入敘事。導演側面描寫憤怒情緒,也正面置身於憤怒之中。如抽絲、如推理,令人倒抽揪心,將親情人性赤裸解剖,如人間反思。

懸念開場
泛黃的照片,一家三口的家庭照片,是導演鄒猷新幸福的開場,那回憶中的家庭溫暖,也被封在相本當中。一直到2007年,鄒猷新捕捉到了家暴發生的那個瞬間,那一天,他(兒子)剛好回家,拿著攝影機質問父親,而父親伸手撥去攝影機,導演說:「這是學校的攝影機,碰壞了你賠不起!」又說「我是不會放下攝影機的,攝影機是最誠實的。」

片頭的幸福崩解的太快,也讓觀影人瞬間陷入了事件的現場。在那個瞬間,也許是紀錄片而非劇情片的關係,觀影人接受的情緒既直接又強烈,立場與定見在須臾之間就決定了。而故事並未就此停歇,後來,導演將拍攝大綱給他的雙親過目,故事一直追到2010年。

抽絲剝繭
片名《阿鼻》直接就是指稱「阿鼻地獄」,也不用假借或是譬喻,直白描繪深陷如此家庭的無奈。開場的暴力,讓故事起了個頭,也讓觀影人立場就座。待導演鄒猷新繼續追故事,放下憤怒與不安,分別進入父親與母親的內心世界,循循善誘,抽絲剝繭,按照施暴邏輯去探查動機,也質問母親為何執著,此時才發覺令人可悲可嘆的,並不只是拳頭本身,也不只是暴力後的哭泣、沉默、傷疤而已。

於是如推理、如邏輯故事般,有動機有故事。看似紊亂的拳腳,漸漸看出套路招式,家暴的兩造,立場轉換,而才就座的觀影人,這時必定重新檢視自身定見了。

阿鼻地獄
我們既稱電影描繪第三世界故事,多為消費其苦難的電影,是種道德爭議的消費。而導演描繪家庭企圖異常大方,也殘酷自我告白,將家庭的醜與善,用鏡頭誠實記錄。紀錄片工作者,通常都會避免介入故事發展以及被攝人物,而本片《阿鼻》導演,本身是敘事者,同時也是家暴故事中的當事人,隨父母親憤怒,隨情緒大聲吼叫,卻還要保持理性,替觀影敘事理出邏輯,抽絲剝繭。

《阿鼻》挑戰道德底線,挑戰敘事角度。《阿鼻》不是一個不孝順孩子,替父母洗臉的爭議紀錄片,而是一段療傷之旅,而這條療傷的路上,無論是否有百分之一感通的觀影人,在觀影中憶起曾經發生在泛黃記憶中,無論是客廳爭吵、或是手起腳落的那一幕。或是憶起懵懵懂懂的成長時期的那些沒有發言權的,被視為永遠只是個小孩的無力。

而紀錄片《阿鼻》走過死亡的幽谷,所以既為地獄之作,也成為無比癒療的紀錄片。

 

   

 

 

 

延伸閱讀:

2012女性影展:《性福阿嬤店》 年輕女孩只知道使蠻力

2012台北電影節前導:乳房與豆吉《狗臉的歲月》

《珍愛人生》悶哼的輪迴用愛終結

2009女性影展:《達令》戲謔到悲劇性遺傳-家暴的漸層出場

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搖滾芭比3

(中文版搖滾舞台劇《搖滾芭比》,2013)

素樸勛
《搖滾芭比》是齣音樂舞台劇,開場的歌姬妖嬌又美麗,卻用搖滾說關於陽具的故事,用龐克控訴她的愛情,時而輕柔、時而冒犯,充滿了衝突,也讓張力層層疊起。與各種自覺和療傷的故事一般,儘管自我剖析的過程殘忍又傷痛,這個過程最後終於身體上的各種女性特徵的崩毀,不只解脫了自己,也救贖了另一個「跟自己一樣的人」。

搖滾芭比x  

(現場高潮之一)

文化融合
《搖滾芭比》是美國劇作家兼導演米契爾(John Cameron Mitchell)的代表作,而改編成中文在台灣演出。在那個柏林圍牆聳立的年代,對主人翁變性搖滾歌手 Hedwig(呂寰宇飾)來說,當時穿牆來的美軍電台,是她音樂的養分,也是她後來赴美發展的音樂基礎,開啟了她與男孩湯米的快樂與傷心之歌。而這本舞台劇開場,由 Hedwig 展開由國旗縫製的雙翅,背景音樂是中華民國的國旗歌,細看國旗披風的裝飾,一半是美國國旗,一半是中華民國國旗。當然全本中文演出,在許多獨白的細節裡,也可看見改編成中文版(台灣版,因為若是香港、中國大陸版,這本一定不能用)的用心,以及希望各位觀眾可以進入故事的企圖。

搖滾芭比6  

葷笑話
而台灣的國族議題,無論中華抑或是台灣或中國,在本劇中被多次提及,當然,是以一個戲謔的方式。冒犯?全然不會,如同對男體、女體、性器官的各種玩笑話一般,擁有「雙重性」的Hedwig,走過身體的痛楚更了解「才剛當了女人,大姨媽就一直來」的心情,於是最有資格將這些東西戲謔的掛在嘴上。既然連發的葷笑話不減故事強度(口交笑話如嘴裡含滷蛋的說:「我願意」),那看似嚴肅的國族認同與主權又何必嚴肅?

復仇芭比
Hedwig 與男孩湯米的愛情最終在對方無法接受她的性徵而告吹,這也是《搖滾芭比》中很重要的故事發展線。不相見之後, Hedwig 與湯米打對台的決心也相當堅定,她必在他的演唱會旁邊辦演唱會。《搖滾芭比》在故事中運用了很多不同的舞台效果,有MV的屏幕,手繪、歷史片段、象徵符號交替,也有模擬「隔壁演場會」的湯米之門,更有簡潔有力的故事道具(幫浴缸裡的湯米打手槍的葷笑話真是一絕)。而這些成分加上了現場演出的音樂,雖然歌詞難以清楚理解,但是搖滾精神!

  

搖滾芭比2  

ENDING
下體如芭比娃娃一般的《搖滾芭比》看似發牢騷又耍風騷,但卻有意外性的結局,並呼應了最初Hedwig 說過的「半人寓言」。在性徵與心靈的錯置之下,故事一開始的衝突性就決定了,這個糾結在最後,在女神形象一邊崩壞,在強烈舞台逆光下得到紓解。最後的歌曲超動人,不同於先前歌曲橋段的群眾強烈鼓掌,霎時,舞台下沒有一個人拍手,也沒有任何一個人嬉笑,因為那個瞬間既莊嚴神聖又難以言說。

那麼,就聽她用唱的吧。

 

搖滾芭比1

延伸閱讀:

超敏感女體自覺《慾謀》 

失「根」男與鬍子女《男生愛女身》 

2012金馬影展:屌兒上環是故事轉折高招《我們的幸福時光》 

2007國際短片影展:「酷兒鴨」queer duck 

殘酷寫實男男戀《愛,不悔》 

政治工作者必看《自由大道》 

《巴黎小情人》-年輕女孩是易碎的,你必須尊重她們。 

 

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stoker  

(Stoker, 2013)

 

文╱素樸勛

如海報 innocent ends 為題一般,這是一個女孩進入女人階段的故事,或者是一個宅院莊園推理故事,或許也可以是說悖德亂倫的故事。

前作《原罪犯》的啟示
以書寫「復仇」聞名的卜贊郁,在2004年以《原罪犯》獲得坎城評審團大獎。該片從懸疑開場,讓「囚禁」二字緊緊扣著仇恨。與一般拯救世界、手刃殺父仇人不同,《原罪犯》有另類的正邪設定,主人翁不只是為了要殺掉壞人,更想要知道「為何如此?」。打從這個角度去切入,電影就無法迴避精神狀態的描寫,而這也是卜導演所擅長。也不用論其精采的打鬥場面,因為打鬥在導演電影語言中已超過了拳頭,而與「物品」的象徵符號結合,而這些蛛絲馬跡,在《慾謀》中,則獲得了跳躍性的抒發。

 

感官描寫「物」體系
《慾謀》從電影技術看來,其聲音的處理與視覺轉場,以及剪接步調堪稱一絕。因為就電影設定看來,之所以要將感官放大處理,並以聲音細膩呈現平時所未曾注意到的聲音,正是因為女主角的特殊體質使然,其五感超敏銳,也容易從耳朵、指尖而達到性高潮。在轉場方面,除了特效轉場之外(例如頭髮與草原),以聲音的碰撞或是以打燈光的技巧來做轉場(例如地下室搖晃的燈光),在這樣的剪接節奏下,搭配復古慵懶的女伶黑膠唱片,更添黑色氣氛。

描寫精神狀態絕不能僅用言說,而往往寄託在符號上,電影故事中無論是象徵迷戀又戀癖的「鞋」或是往胯下爬的性慾覺醒的「蜘蛛」,其他「觸感」如削出血色木屑之「鉛筆」、「紙盒」、「標本」等等,都有其象徵性的精神意義,可由觀影人自行精神詮釋,並在故事中連貫帶來張力。

 

女體覺醒黑色莊園
習慣說復仇故事的導演,當然不會放過懸疑開場,而以懸疑「進場」的觀影人,當然就以其飢餓的胃口,開始在故事中毫不客氣的搜索任何蛛絲馬跡。而最誘人的故事,則是自以為知道事情的樣貌的觀影人,得意洋洋的將落下審判鎚時,卻也正好開始內疚起來....

黑色即是將變態正視,並且視為常態,這過程中沒有任何價值判斷。或是,變態是靠死亡之物而獲得高潮滿足?或是長年迷戀,無視手段並佔有另一個人才是變態?雖然電影故事挑戰道德,但故事仍然以一個推理的方式慢慢開展,只是在剝完之際,劇情卻還有一個翻轉,觀影人只能任憑卜導演的擺弄而滿足於視覺的饗宴,正如同劇中人印蒂雅被鞋兒給層層堆疊並堆砌其性格的轉變,描述其從少女進入女人的短暫過程,並在殘酷青春中憑藉著梳妝、衣著來詮釋不同階段。既被物給束縛,也憑藉物而證成自己,更在最後,黑色莊園的故事還是沒有立場,復仇的原因有好幾個候選,答案卻會是觀影人最不想要承認的那一個。

 

延伸閱讀素樸勛:

一樣搶賭場 不一樣的優雅與華麗《神偷大劫案》 

韓式人性實驗室《原罪犯》(oldboy) 

懊悔與復仇《馬奎斯的三場葬禮》 

是病不是鬼《蝙蝠‧血色情慾》-魔幻反浪漫、皮痛生高潮 

2009金馬影展:《該死的艾瑪》深宅冷笑的勉強角色扮演 

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