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我的電影中的音樂元素

導演陳駿霖、配樂徐文 領域交會的對談

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 (陳駿霖、徐文)

文/素樸勛

陳駿霖導演在是在波士頓出生,大學畢業之後回台灣替楊德昌工作,自此就投入了電影之路。徐文是《一頁台北》、《愛你一萬年》的電影配樂。短片《256145樓之1》的配樂。陳駿霖在美就學期間的碩士畢業製作《美》是2006年的作品,在台北電影節有播過,與後來的《一頁台北》劇情有點相似,都是從麵攤發生,於是音樂的風格也相似。

 

寫劇本的時候,導演會不停的聽音樂,找一些適合的,調性相關的歌曲,甚至作一個曲目清單,也會作假的專輯。導演在這方面花的時間比寫劇本的時間還多,因為對他來說,寫劇本是很具體的,但是聽音樂是很抽象的。

 

電影《一頁台北》的音樂元素

《一頁台北》當時想做一個30年代的爵士風格。用一個現場的感覺,來建立現實30年代爵士的味道,找四、五個人在錄音室,於是找一些台灣的樂手來作看看。徐文認為,通常在執行舞台劇、電影配樂的時候,會找一些參考的音樂,作為參考的,有可能是其中的旋律、音樂配置,或是製作方式。復古的音樂時錄方式,就像現場表演一樣,大家表演然後錄起來,吉他錄好了,在另外一個錄音室把鼓錄起來,之後再換貝斯手。在《一頁台北》也是採取這樣的方式,一個一個堆疊上去。麻煩的地方是不容易剪接,不能犯錯,而且樂手的技術都要非常到位,前製工作也要做的非常充足。

 

音樂不只是設想,通常也要考慮到執行面,找樂手來演出,就是要瞭解在台灣能不能夠做出這樣的東西。以他國的曲子作參照,但還是要以自己的方式去詮釋,不能夠照抄。

 

徐文作配樂,常被問及為何會作這樣的音樂,對他而言,這樣的問題其實要去問導演,因為合作這樣的音樂,是源自於導演的想法,徐文會給建議或是製作,會嘗試、會刪減,最後才會給大家聽到。

 

短片《256145樓之1》的嘗試與驗證

這是《10+10》其中的一個短片,演員為張孝全與張韶涵,是一個巷弄中吊洗衣機入厝的故事。其中有兩條敘事線,而一開始的配樂設定,是浪漫的爵士。

短片緣起於陳駿霖導演走在迪化街的時候,由於台灣有的門戶很小,大型家電不易進入,而正看到有一戶在吊掛洗衣機,當時迪化街很多人,下面的人都很緊張。當下的氛圍,讓國外長大的導演覺得這是真的台灣,所以圍繞這個巷子,於是有了這樣的故事。

 

短片的配樂設定,原本設定的是旋律,當時也決定要這樣做了,但是短片剪好了之後,發覺旋律加進去不對。於是討論決定,應該要加入的是節奏。電影就是這樣音樂跟影響的過程中,會有很多挫折也會有很多變數,譬如說拍攝的過程因為天氣不好,所以顏色不一樣,同樣的,音樂就會不一樣。

 

即將開拍的《下午茶》設定

《下午茶》是陳駿霖正在開拍的一部電影,是一部提及家庭、愛情、同志、社會、生活的電影,與《一頁台北》不同,這裡是講上班族平凡家庭的,而且把台北的地景拍的不太明顯,因為原本就設定是可以拍成日本的城市。講一個愛情的衝突,是都市風格的一個故事。電影看似嚴肅,卻是一個荒謬的喜劇片,配樂方面,導演決定要用50年代的美國歌舞劇。導演說:「我講不出為什麼,但是說出來了,好像應該是,好像也對。」

 

徐文在楊德昌的電影《一一》中,體會到了他所能理解的台北城市,身為台北成長的小孩,雖然每個人觀感都是不一樣,但是《一一》拍出他對台北的感覺。徐文認為:「這次我也會有這樣感覺,《一頁台北》把台北拍得很漂亮,但是台北有他另外一面。放鬆的台北、通勤的台北都是不一樣面貌的。」《下午茶》描繪的故事是拍出實際樣貌,男主角是眼鏡行員工,女主角在藥廠工作,不是設計師、作曲或其他比較光鮮的工作,配樂的主要參照,就是上班族的一些元素與符號,例如日光燈、老闆、員工,來作為發想的參考依據。

 

通常國片的流程,都是實際拍完、剪接完成之後,才會作聲音的後製。但是徐文以及陳駿霖很早就會討論音樂。徐文說:「你們家裡可以試著把電影的音樂關掉,然後放一個法國的爵士樂,會有不一樣感覺。」陳駿霖不喜歡理所當然的音樂,這次的概念誰想的到歌舞劇來呈現。上班,下班,規律的生活中,卻可以追求愛情,對於生活,你能不能妥協?這都故事都是日光的台北發生在《下午茶》中,相對於《一頁台北》很少白天,最多也只有兩場戲。

 

復興國片配樂之路

徐文認為,許多作曲喜歡使用管弦樂團,有幾個原因。首先,因為在對應畫面的時候,可以有很多的變化。另一方面,雖然用流行音樂的架構,也可以作變化,但是變化就不大。舉例說來,光是小提琴的力度、速度、斷音,就有很多很多的變化,表現也可以很多層次。其次,管弦樂是全世界公用的調色盤,當作曲跟作曲之間相互在聽得時候,就可以知道風格區別在哪裡。譬如作畫的水彩與噴漆,若是都用鉛筆畫畫,才容易比較。這就是作曲家們喜歡管弦樂的原因。

 

而台灣的管弦樂並不比別人差,為何大的電影都要出國錄音呢?《賽德克巴萊》、《當愛來的時候》都是用管弦樂來作配樂,同樣的是,他們都是出國錄音。台灣並不是沒有技術人員與專業器材,原因在於,台灣沒有裝得下的錄音室。例如TFO(台灣電影交響樂團)一個樂團要5060個人。另外,翻譜不能有聲音,小提琴、大提琴、樂助、錄音助理,大概就是七八十個人的事情。而台灣的環境,就是沒有錄音室裝得進去。

 

可愛的是楊貽茜、王傳宗聯合執導的電影《寶米恰恰》的配樂在台灣錄,因為只錄十幾把弦樂,可以去白金錄音室錄。但是《下午茶》也想做一樣的事情,所以才與台北市立交響樂團、台南教育大學合作,希望可以把配樂這件事情,留在台灣作。

 

留在台灣錄音對電影產業也有好處,舉例說來北京的樂團都是每天在錄,因為用量大,每天都去執行,這樣累積下來,就是經驗的堆積與練習,技術人才於是間接的被培育出來。

 

陳駿霖認為,他喜歡跟徐文聊電影、音樂,因為這是電影最好玩的過程。例如導演想要讓演員飛到天空,但又不想做動畫,於是要考慮吊車、封街、技術等等不容易的問題。打趣說來,他們都有些原則,因為導演不想用動畫作這樣的電影,就跟徐文不想去北京錄音一樣堅持。

 

延伸閱讀:

我不懂人性的光輝《一一》-楊德昌作品

 

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狗臉的歲月  

( My Life as a Dog, 1985)


文/素樸勛
柏格曼名氣太甚,但是瑞典不是只有柏格曼(Ingmar Bergman)。《狗臉的歲月》是 萊斯霍斯壯 (Lasse Hallström)作品,這是一個小孩的故事,這個故事與乳房有關。

狗臉
狗是兒童之夥伴,不離不棄。曾經身為一個兒童,多麼想要擁有自己的物和空間,因為這可是天底下最美好之事情。在被告知要離開家裡,與老阿嬤陪伴同睡時,舅舅說了一句「不是要趕你走,你還是可以常常回來啊,只不過是換個地方睡,晚上睡那邊罷了」這樣殘酷的宣判,使得小男孩化為狗態,如他的愛犬一般,無理的對人類狂吠,讓大人也只是心疼無奈。 狗隻萊卡,作為一個大人與兒童之間的信任與承諾的連結,也因為這個連結,產生了歸屬與離開,這些輕如鴻毛的小情緒,在兒童觀點的世界中,卻又是重如生離死別。

乳房
乳房符號,假借母親的愛,在病痛耗損的親情之間,男孩所企求的關愛眼神於是缺乏。小男孩英格瑪必須過於早熟的面對,面對世態的變化。大人們毫不避諱的談論柔軟的胸脯,毫不強調小男孩對乳房的好奇,於是由此所建構出來一種自然的氛圍。乳房不是禁忌,也不是獵奇,只是一種溫暖的懷念。遇到小女孩,卻為了胸脯的壟起而煩惱不能繼續男子足球隊,這樣巧妙的性別探索,幫妳纏胸。可愛調皮的女孩,卻在盛怒之下,吼出仿效成年人的咒罵字眼,眼看這兩個孩子應該恨死了對方,但是微笑的電影行文,卻讓觀影者的小小揣摩被打了一個耳光。

兒童世界的細膩,與大人世界的粗鄙的、可愛的笑聲,兩者揉合。揉合可愛村子裡可愛的人,並沒有二分法的切割天真與世故,這樣的兒童心理觀點,在1985年,那個筆者出生的美好年代,蔚為電影風潮,也在美國票房創下佳績。今年(2012年)台北電影節的瑞典浪潮,您不能錯過。

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《史丹利的便當盒》印度肥孩、聰明孩

2011金馬影展:很萌的成人奇幻《星空》

 《最後12天的生命之旅》奇幻女戰士與憤怒小童

2009女性影展:《達令》戲謔到悲劇性遺傳-家暴的漸層出場

血紅文明與殺戮《少女殺手的奇幻旅程》和絕叫的電音元素

非常偏差《屠夫男孩》

 

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(Carnage, 2011)

文/素樸勛
中文片名《今晚誰當家》與英文片名相去甚遠,除了是要強化電影雙姝對決的張力,也讓片名脫去談論文明的沈重包袱。僅有一個場景,演員的張力與收放撐起全場,營造出空間的不安與緊繃,讓觀影人既有企圖卻又無法逃離空間。跟著劇情起伏,然後跟著擺脫虛偽並在情緒上走向爆破。

Yasmina Reza
乃法國劇作家,也是2009年東尼獎(Tony Award )最佳劇本得主。本片《今晚誰當家》就是改編自Yasmina Reza 的劇本 "Le Dieu du carnage"。無獨有偶,早些年台灣就曾上演過吳定謙搬上舞台,2010年綠光劇團的《文明的野蠻人》。舞台劇版本與電影《今晚誰當家》的差異在於舞台劇全本兩個小時的演出沒有中場休息,舞台劇又與文明、教養的設定緊緊相扣,毫不迴避,於是跟觀眾胃口產生了距離。另一方面,電影的行銷、娛樂規模平易近人,除了演員演技精湛在電影中濃縮,行銷也相當成功。挑戰虛偽的矯飾議題,雖然與觀眾的距離仍在,但是濃縮的劇情與對白張力更甚,電影化之後,於是穿透力更強。

Roman Polanski
論行銷,此爭議性導演,因為性侵疑雲為人所知。但其影像與性侵的連結,則是表現在牽強的對美國的想念,無法回美卻在電影裡穿插紐約公寓的虛假陳設和故事。其《戰地琴人》、《獵殺幽靈寫手》是其較為著名的作品。本片,執導高張力的個人戲碼,在斗室之間過招。導演功力著重於小物品、器具、陳設的細部描寫。在本片中的關鍵物件,有手機、攝影集、酒,串場的有無數無聊笑話,還有看似不相關卻相關的高來高去之各種問候。

Ironic
在單一場景的不同鏡位動線實屬功力,這樣的空間內,因為交談而產生的張力,讓禮貌的微笑都是一種負擔,而這樣的負擔確實,正以文明為名在你我周遭正在上演。這本就是習以為常的成人面具,司空見慣,但是輔以談論兒童鬥毆的副線,家長們卻又諷刺的在規範與不規範中挑戰自己原本的底線,好比在星巴克啖咖啡大談《資本論》一般反差。這樣的反差當然脫不去情緒的失控,男女性別的結盟與離間,還有最基本貌似嚴肅恭良的文明,話中帶刺的溫暖問候。 這樣的痛快,應該源自於文明病的廣泛罹患,有病的筆者,因為演員飆技而深感爽快,不知看倌是否願意走入小室,看高手過招?

 

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 野馬奔騰不見影《127小時》

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 《經典老爺車》政治身分的溫情妥協

 

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(Double trouble, 2012)

文/素樸勛

國片不死,只是玩殘。君不見車頂打鬥的綠幕KEY板很沒有誠意,而且讓我輩回憶古時電視裡演出孫悟空騰雲駕霧之廉價特效。唯一讓人激動的是兩台車體接觸而噴發出的火花,哪怕只有不到一秒鐘,也都是滿滿的誠意。

 

陳漢典
陳漢典,一個最耀眼的新人,本片中卻展出江郎才盡之態勢,我還是喜歡《艋舺》的猴嬰仔。《寶島雙雄》中,無論是康熙梗或是個人演技,均無突破,反而感到相當的乾硬,這樣的硬,好比已經無濕無潤,卻要勉力強求一般。古語有云:「機會是給準備好的人」,無奈,正如nono在大型頒獎典禮上組合的三口組表演,讓他唯一跳脫B咖藝人的機會就這樣流失,演出一個無趣。於是只看出他平時是真傻,而不是大智若愚。漢典的誇張演出,不適合緊鏡頭,那花俏的髮妝,只是讓他更為囂張爾。演技用力,是本片演員通病,唯一軟慢到不行的,卻是中國代表夏雨。

 

夏雨
俺看得出電影企圖,是要仿效《痞子英雄》的經驗,好讓電影無論在商業上或是題材上,都能與中國大陸靠上邊兒。這樣無可厚非,只是喜感演技不佳,口條亦不佳,因為要仿效黃渤老師的妙語如珠、快人快語並非反掌,夏雨飾演的大海哥,只能慢吞延遲的說上幾個不好笑的台詞,隔靴搔癢。這樣的癢搔再久都不會痛快,因為男一男二之間的對白過招,實在太冗長,電影想要表現的方言妙答失敗,但長度仍然不變,我輩只得期待對白之間的動作戲份了。

 

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(好好女孩包肉粽)

 

成龍
動作戲中,可以稱是的唯有「飛車追逐」、「打鬥」兩者。兩個外籍小妞,身材曼妙不說,還硬生生的被自己人給性虐成肉粽,鏡頭不客氣,讓女角的腋下鬍渣開朗見客。帥氣男模錦榮後來死的不明不白之外,更在這場常不必要的戲碼中樹立了其變態與喜愛吊環之特色,這樣的特色之細膩,比之成龍之子,房祖名來得全面而有條理。細細看,錦榮變態喜好吊環的設定,即使在沒有戲的廢棄貨櫃裡,仍然有吊環廢棄晃動在其中。反之,房祖名的情緒不是在火山高峰就是在平靜低谷,如此扁平簡單,可以瞥見編劇哥之私心,也是我們西方男子漢的哭泣。

「動如脫兔,靜若處子」還是客氣,根據導演要求的成龍模仿,真的為難房祖名。因為成龍根本是不能被拷貝的,他的打鬥之間的搞笑、摔、跳、衝動、急躁,都自成一格。而這也不難理解,電影海報所下「絕不靠爸」的房祖名,最終還是不能迴避父親包袱,而讓電影顯露這麼多模仿的痕跡。

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(編劇偏心)

胸部
無論是檳榔西施,或是兩位外籍竊盜集團女打,還有故宮女打,都只是過場。而且後三位女打,都被刻意的去掉其特質與個性,全然以胸部入戲。在打鬥過程中,或是非打鬥的纏鬥,不曉得有千百次被男演員的手搭在胸部上面,然後演出意外哈哈。疑惑,這是在向成龍飾演孟波之《城市獵人》致敬嗎?我輩當然並非以女體的大旗來修理這樣劇情,而是編劇當真山窮水盡,沒有其他的梗可以玩,玩到這三位女性(加故宮女打),我都看成是同一個模樣。

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(成龍躺著中槍表示:我只摸手)

延伸閱讀:

《茱麗葉》令人注目的沈可尚-兩個茱麗葉

《腳趾上的星光》兩岸愛情賣弄郭曉雯被稀釋

《3D食人魚》好乳美臀喃喃咬

商業與熱血,殺手、那些年、奇華月餅。

 

 

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(Melody, 2012)

文/素樸勛

「愛情,在聽不到,碰不到的時候,最強烈。」這麼強烈的詞,應當也要濃烈的動畫內容與工藝技術來匹比,沒想到過於高妙的愛情惆悵,全然沒有立基之地。

兩岸愛情中國賣弄

因為兩岸市場的靠近,也因為文化的差異性在這樣的靠近過程中更加突顯。書寫兩岸的愛情,在現實生硬的兩岸政治談資佔據大部分我們對兩岸的認識,於是柔軟的愛情故事為了要避開逃不開的現實,很容易失焦在泡泡之中。早些年,電影《雲水謠》的兩岸愛情故事,在去政治的脈絡下憑弔,但仍然有著歷史的糾結。而《腳趾上的星光》完全是大陸觀眾的觀點,在這樣的商業考量(還有刺眼的x朗咖啡置入),影響劇情甚鉅,產生了不和諧。在《腳趾上的星光》,林宥嘉飾演的男子,隻身前往大陸,懶洋洋的受到大陸角色的詰問,好比是大陸觀眾在對於寶島台灣的獵奇,而台灣部份的故事鋪成,卻又那麼的不真實與扭曲。與其說是過於浪漫與偶像的設定,不如說是泡泡一般的口白與劇情,敵不過粗糙的繪畫品質,與實境拷貝畫工的失算。

音樂如詩本質應更強調

商業算計也埋沒了真正感動的故事。動畫電影《腳趾的星光》看似是一片念小說台詞的錄音帶,台詞拗口,就像是方文山在《愛到底》中把文字直接打在螢幕落落長犯的錯誤一樣。反而是電影之外的真實故事,原民歌手 郭曉雯(Elin)抱著病痛錄音,更為感動人,但這樣的感動,電影全然沒有提及,而是一直夢幻來去,吹美麗的兩岸泡泡。對於音樂掛的製作人姚謙,來說,這樣一個很優質的行銷電影契機,竟不好好把握。跨界改變台灣電影的例子,除了周董的《不能說的秘密》成功的以音樂人姿態走電影之路,除此之外,音樂人能夠為電影作些什麼?海報上提及的24封信,到底安插在電影的哪裡?是影片中通訊軟體的電腦螢幕帶過嗎?「兩年 兩個人 兩個城市 24封信」的標語,於是又成為空泛又孤獨的純文字、數字賣弄。

聶永真僅擔任標準字設計

片尾看到永真的名字,讓我驚呼。經瞭解,設計師聶永真的努力,僅只於海報標準字而已,電影動畫的製作另有奇人,是美術專業的人士,而且還辦過個展。無論如何,客倌不用驚呼片尾有那麼多音樂人,甚至非音樂人的助拳和協力,因為不私心的互相消費與互相支持,正是這個產業的美麗又哀愁的緣故。

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